História da musica

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1leftarrow blue.svg Artigo principal: Música .

A música é uma expressão artística pertencente a todas as culturas [1] do nosso planeta. Fontes atestam sua existência há pelo menos 55.000 anos, com o início do Paleolítico superior . Alguns estudiosos especulam seu nascimento na África , quando as primeiras comunidades humanas conhecidas começaram a se espalhar pelo globo. [2] [3] A história da música é um ramo da musicologia e da história que estuda o desenvolvimento cronológico das ideias e convenções musicais pertencentes a diferentes povos , com particular atenção à música de arte tradicional ocidental , sendo, portanto, um assunto muito difundido, tanto na universidades e escolas de música em todo o mundo.

Periodização

A subdivisão padrão da música é baseada em eras históricas, correntes artísticas e culturais paralelas à música.

Musica contemporaneaMusica modernaMusica del RomanticismoClassicismo (musica)Musica baroccaMusica rinascimentaleMusica medievale

Música pré-histórica

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Encontrada na Eslovênia , a flauta Divje Babe é hoje considerada por alguns como o instrumento musical mais antigo conhecido, com mais de 40.000 anos.
Um mridangam , tambor da Índia

O problema de determinar a época que viu o nascimento das primeiras formas de expressão musical está obviamente relacionado com a definição que se escolhe adotar para a palavra música. Se bem que, de facto, para um sistema teórico de organização dos sons, ligado a referências estéticas precisas, temos que esperar pela Grécia Antiga [ carece de fontes? ] , para o primeiro aparecimento de elementos específicos, como a produção voluntária, também por meio de instrumentos, de sons pelo homem, devemos voltar ao Paleolítico .

Em 2008, na Alemanha, no local da caverna Fels (Hohle Fels), a equipe do arqueólogo Nicholas Conard encontrou uma flauta obtida de um osso de abutre, datada de 40.000 anos atrás.

Algumas evidências neste sentido podem ser deduzidas de numerosos achados tanto em osso quanto em pedra interpretados como instrumentos musicais . Estes são, por exemplo, apitos Magdalenian Roc de Mercamps, ou litofones [4] Neolítico descoberto perto de Dalat ( Vietnã ).

Na ausência de evidências diretas ou mediadas, algumas hipóteses sobre a forma assumida pela música primitiva também podem ser deduzidas da observação de povos cujo desenvolvimento é semelhante ao desenvolvimento das culturas pré-históricas atuais, como os índios brasileiros , os aborígenes australianos ou alguns. populações africanas .

Pode-se supor que as primeiras formas de música nasceram sobretudo do ritmo : por exemplo, para imitar, batendo palmas ou com os pés, o coração batendo, o ritmo cadenciado dos pés que correm ou do galope; ou talvez alterando, por diversão e tédio, as fonações espontâneas durante um trabalho cansativo e monótono, como esmagar o trigo colhido para fazer farinha ou curvar-se para colher plantas e sementes. Por essas razões, e pela relativa facilidade de construção, é muito provável que os primeiros instrumentos musicais fossem instrumentos de percussão e, presumivelmente, alguma variante do tambor .

Na verdade, entre os instrumentos mais antigos encontrados encontramos o tambor de fenda, um cilindro oco, provido de uma fenda longitudinal ao longo da superfície externa, tocado batendo-se com as baquetas na mesma fenda. As versões mais antigas e primitivas encontradas consistem em um tronco oco, sem rachadura, mas repousando transversalmente sobre um buraco no chão, que provavelmente foi tocado batendo-se com os pés.

Música da antiguidade

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A música da antiguidade , na história da música, é aquela música que substituiu a música pré-histórica nas diferentes civilizações da chamada História Antiga . Refere-se aos diversos sistemas musicais que foram desenvolvidos em várias regiões geográficas como Mesopotâmia , Egito , Pérsia , Índia e China , ou em vastas bacias de influência cultural como Grega e Romana , e é designada pela caracterização de fundamentos como notas e escadas . Pode ter sido transmitido por métodos orais ou escritos.

Música no Egito Antigo

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A civilização egípcia está entre as primeiras civilizações de que há evidências de expressão musical. Aqui a música desempenhou um papel muito importante: diz a lenda que foi o deus Thot quem a deu aos homens; estava sobretudo ligada a Hator , considerada a deusa da alegria, da música e da dança.

Entre os instrumentos usados ​​pelos egípcios, encontramos a cascavel , o sistro , ligado a Hathor , a trombeta , usada na guerra e sagrada para Osíris , os tambores, o alaúde e a flauta , sagrados para Amon . Outro instrumento musical muito presente e característico da civilização egípcia é a harpa muitas vezes equipada com uma grande caixa de som. No antigo Egito, a música tinha funções religiosas, era de fato usada em cerimônias sagradas, estava presente nos ritos de fertilização, na celebração de funerais e novamente por ocasião de diversão e entretenimento.

Inicialmente, no período mais antigo, utilizavam-se principalmente instrumentos de percussão (baquetas, badalos). O surgimento de instrumentos mais sofisticados teve que esperar mais. Os primeiros a serem construídos após a percussão foram instrumentos de sopro ( flauta ) e instrumentos de cordas ( lira e cítara ), dos quais há testemunhos gregos, egípcios e mesopotâmicos anteriores ao século 11 aC Essas civilizações já conheciam os principais intervalos entre os sons (quintas, quartos , oitavas ), usados ​​como base para alguns sistemas de escala . A partir de um estudo do etnomusicólogo alemão Sachs sobre a afinação de harpas, descobriu-se que os egípcios usavam uma escala pentatônica descendente e uma escala heptafônica .

Música no Oriente Próximo

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Entre as escavações da cidade suméria de Ur , e mais precisamente no cemitério real , algumas liras e harpas foram encontradas, enquanto uma iconografia musical com a qual a arquitetura da primeira Mesopotâmia histórica é ricamente decorada, sugere que para esta civilização a música era muito importante, especialmente nas formas rituais típicas. Exemplos de baixos - relevos do Louvre , vindos de Lagash , mostram por exemplo a presença de instrumentos de cordofone semelhantes à harpa .

Entre os textos Urriti encontrados em Ugarit, encontram-se os exemplos mais antigos de escrita musical, que datam de cerca de 1400 aC. [5] Nestes fragmentos foram encontrados os nomes de quatro compositores, Tapšiẖuni [6] , Puẖiya (na), Urẖiya e Ammiya. [7]

Nos textos sagrados do judaísmo, a música é mencionada pela primeira vez [8] quando falamos de Jubal , filho de Lameque e Ada, de quem se diz:

« ... ele foi o pai de todos os que tocam lira [em hebraico , kinnor ] e flauta [em hebraico, ugab ]. " ( Gênesis 4,21 , em laparola.net . )

Música na Grécia Antiga

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Na Grécia antiga , a música ocupava um papel muito importante, tanto na vida social quanto na religião. Para os gregos, a música era uma arte que incluía, além da própria música, poesia , dança , medicina e práticas mágicas . A importância da música no mundo grego é atestada por vários mitos a seu respeito. Uma é a de Orfeu , seu inventor, que conseguiu convencer os deuses de Hades a trazer de volta a desaparecida ninfa Eurídice .

Durante o período Arcaico, desde suas origens até o século VI aC , a música era praticada apenas por profissionais: os aedi e os rapsodos . Estes declamam os mitos acompanhando-se com um instrumento musical transmitindo a música oralmente. Posteriormente, durante o período clássico, do século VI ao IV aC , a música passou a fazer parte do sistema educacional e assim se popularizou. Muito poucas fontes de escrita musical datam desse período, que eram patrimônio exclusivo de profissionais, já que a música era, como já mencionamos, transmitida oralmente. Também no período clássico, a tragédia se desenvolveu. Os temas da tragédia foram retirados dos mitos literários e consistiam em diálogos entre dois ou três personagens alternados com cantos corais . Os atores eram todos homens, usavam máscaras e atuavam com acompanhamento musical. O traçado arquitetônico do teatro consistia em uma escada semicircular que abrigava o público, diante da qual havia um palco onde os atores atuavam, enquanto entre a escada e o palco havia uma orquestra e um coro .

Os gregos usaram ferramentas diferentes. Os mais comuns eram a lira ou cítara e os aulos . A lira era um instrumento cujas cordas eram dedilhadas com um plectro , instrumento sagrado do deus Apolo . O aulos, por outro lado, era um instrumento de sopro , ou aerofone de cana , sagrado para o deus Dioniso . Instrumentos de percussão também eram usados ​​entre os helenos, incluindo tambores e pratos , mais conhecidos como pratos .

Os gregos aproximavam a música da matemática e do movimento das estrelas. Pitágoras , comparando a música ao movimento dos planetas , entendeu que também ela era governada por leis matemáticas precisas. Ele trouxe sua intuição para o monocórdio e descobriu que se uma corda produzisse um som de certa altura, para obter um som na oitava superior era necessário vibrar metade da corda; para chegar à quinta, bastava fazer vibrar dois terços da corda e assim por diante.

Na base do sistema musical grego estava o tetracórdio formado por quatro sons descendentes incluídos em um quarto intervalo perfeito. Os dois sons extremos foram fixados, enquanto os dois intermediários eram móveis. Os tetracordes foram divididos em diatônicos , cromáticos e enarmônicos . A união de dois tetracordes formava um modo que poderia ser dórico , frígio ou lídio . Dependendo do tipo de união, os modos podem, por sua vez, ser conjugados ou desconexos. Se um tetracord unido ao agudo fosse acrescentado a um modo dórico desarticulado, outro tetracord se unia ao túmulo e sob este uma nota , o sistema téleion , que é perfeito, da extensão de duas oitavas era obtido. O ritmo musical era baseado no poético. Na poesia grega, a métrica surgia da duração das sílabas: curtas ou longas, o mesmo acontecia na música. A curta é equivalente à colcheia de hoje e a longa à semínima de hoje. Ritmo era a união de duas ou mais notas ou sílabas, arranjadas em padrões rítmicos chamados pés. Na poesia, a combinação de vários pés formava o verso e a combinação de vários versos formava o verso .

Os gregos também atribuíam à música uma função educativa, por considerá-la uma arte capaz de enriquecer a alma das pessoas. Segundo Platão , a música devia servir para enriquecer a alma humana, assim como a ginástica servia para fortalecer o corpo. Esse discurso se expande com a doutrina do ethos segundo a qual cada modo tem seu temperamento específico que pode afetar positiva ou negativamente a alma das pessoas. Para Platão, os modos das espécies dóricas ou frígias têm um efeito positivo, enquanto os da espécie lídia podem perturbar o equilíbrio racional. Aristóteles aceitava a classificação de ethos, mas acreditava que todas as formas poderiam beneficiar a alma. Até agora, a teoria musical era conhecida apenas do ponto de vista matemático. Mais tarde, Aristóxeno de Taranto compreendeu a importância da audição na percepção dos sons.

Música na China Antiga

Ícone da lupa mgx2.svg O mesmo tópico em detalhes: música chinesa .

A música chinesa já havia evoluído consideravelmente durante a dinastia Zhou ( 1122 aC - 256 aC ), com um papel importante nos cerimoniais. Mesmo nesta cultura, a música tinha um profundo valor educacional e filosófico. Documentos que atestam a composição musical na China parecem remontar ao século 6 a 7 aC [9]

Música na Roma Antiga sob a influência do modelo grego

Ícone da lupa mgx2.svg O mesmo tópico em detalhes: Música na civilização romana .
Apollo sauroctonus , cópia romana, Louvre

No período helenístico houve uma crise substancial sobre quais foram os fundamentos da Musikè grega, acompanhada pela crise do gênero trágico . Você se depara com atuações reais de atores que encenam, da bagagem, peças de repertório.

O primeiro é marcado pela presença modesta, em Roma, de música de origem etrusca ou itálica, combinada também com apresentações indígenas como a Atellana e o Fescennino . Remonta a esta primeira fase de difusão dos instrumentos metálicos de uso militar: a buccina de forma circular, o lituus a furar a direito com o pavilhão dobrado para trás, a tuba de bronze a cano reto. Tempos posteriores foram caracterizados pelo fato de que os romanos conquistaram a Grécia e trouxeram para Roma, em grande quantidade, músicos , intelectuais , artistas e filósofos gregos. Todo o sistema cultural romano foi condicionado pelo grego, também do ponto de vista musical, mas com diferenças substanciais. Do ponto de vista dramático haverá tragédias e comédias modeladas a partir das gregas, mas com a diferença de que serão denominadas de forma diferente: coturna e gregas, porque os atores gregos estavam em coturni (sapatos), enquanto monódicos e corais os rituais eram considerados essenciais nas solenidades públicas como os bairros, as festas religiosas, os jogos, enfim, os paliativos , os romanos, porque os romanos usavam um vestido, o pálio .

A música romana herdou o sistema musical, os usos, as formas e a teoria do mundo grego. Comparada ao refinamento simples da música grega, executada com poucos instrumentos para acompanhar a canção, a música dos romanos era sem dúvida mais viva, misturada com elementos de origem itálica e executada com grandes conjuntos nos quais deve ter havido a presença massiva de instrumentos de sopro : a tíbia , a buccina, o lituus, a tuba. O órgão hidráulico e vários (e barulhentos) instrumentos de percussão também foram usados. Portanto, pode-se presumir que a música em Roma era muito popular e que sempre acompanhava muitos shows, incluindo pantomima e shows de gladiadores . Enquanto para os gregos a música era um componente fundamental da educação, os romanos tinham uma opinião muito inferior sobre ela, associando-a a festas e entretenimento ao invés da formação do vir .

O canto do Cristianismo no Ocidente e a música sacra

Ícone da lupa mgx2.svg O mesmo tópico em detalhes: música cristã .

A difusão do cristianismo e, portanto, do canto cristão , desempenhou um papel decisivo na história da música ocidental. A música coral origina-se do canto cristão primitivo. Nas sagradas escrituras, lemos que cantar era uma prática comum também nos ritos da religião judaica : o próprio Cristo , junto com seus discípulos, é retratado como um cantor :

"E depois de cantar o hino, eles foram para o Monte das Oliveiras."

( Marcos, 14, 22-26 )

Pode-se traçar um paralelo entre a função da música nos ritos das primeiras comunidades cristãs e a função da arte decorativa, sintética e estilizada, dos primórdios da vida oficial do cristianismo após 313 dC Em ambos os casos, os argumentos de fé são o assunto de expressões artísticas não verbais que poderiam ser facilmente lembradas mesmo por uma congregação não alfabetizada de origens humildes.

Esta forma de cantar as ideias continuará ao longo dos séculos a contribuir para a participação dos fiéis na ação sagrada, mesmo depois de a língua latina há muito ter deixado de ser compreensível. Ao longo do tempo, foi acrescentada à função hierática uma função decorativa, associada ao canto do celebrante, didáctica e participativa da música, destinada a solenizar os acontecimentos religiosos através das características e do volume sonoro, aos quais se pode atribuir parte do sucesso de um instrumento como o órgão , cujo som profundo induz uma sensação de mau presságio no ouvinte. [10]

A monodia litúrgica cristã

Visto que a notação musical surgirá apenas durante o século 12, o canto cristão primitivo é completamente desconhecido para nós, e o que se sabe sobre ele vem em grande parte de suposições. A sua derivação presumível do rito judaico sugere que a liturgia dos primeiros séculos foi fundada na entonação de formas melódicas tradicionais construídas através de variações muito pequenas [11] e nas quais o ritmo era derivado do ritmo verbal da liturgia (este procedimento é também chamada de cantilação ). Além disso, pode-se supor que a condição de clandestinidade em que a religião cristã era praticada favoreceu o surgimento de muitas variantes do rito e, portanto, do acompanhamento musical de referência.

A situação mudou em 380, quando o edito de Tessalônica impôs a religião cristã como a única religião do império. A partir do século V , o cristianismo começou a dar-se uma estrutura que exigia a unificação da liturgia e, portanto, também da música que dela fazia parte.

Pode-se hipotetizar que uma forma inicial de música litúrgica era monódica [12] e baseada em variações de entonação em torno de uma nota fundamental, chamada de acorde de recitação, variação que era ditada pela prosódia ou ênfase das palavras do texto sagrado, no ditado silábico de estilo musical. Com o tempo, um segundo estilo foi se sobrepondo a esse estilo, que dominou a maior parte da missa, inicialmente reservado para momentos de maior ênfase como o ofertório , em que um solista entoava o texto variando livremente a entonação dentro de uma mesma sílaba em um estilo chamado melismático .

A transmissão da música acontecia, neste momento, pela tradição oral, e por meio de escolas de canto, cuja presença nos principais centros de culto é atestada desde o século IV. Além da escola de origem, é provável que a improvisação e a habilidade de cada cantor também tenham determinado em grande parte a música de uso litúrgico .

Canto gregoriano

Ícone da lupa mgx2.svg O mesmo tópico em detalhes: canto gregoriano .

No início do século VI , havia várias áreas litúrgicas europeias no Ocidente, cada uma com seu próprio rito consolidado. Entre os principais, lembramos o rito antigo-romano , o rito ambrosiano em Milão , o rito visigótico-moçárabe na Espanha , o rito celta nas ilhas britânicas, o rito galicano na França , o rito aquiliano no leste da Itália, o Benevento rito no sul da Itália. Diz a tradição que, no final deste século, sob o pontificado de Gregório I ( 590 - 604 ), a unificação dos ritos e da música da qual depende foi iniciado definitivamente.

Na realidade, há razões para acreditar que a unificação desses ritos ocorreu quase dois séculos depois, por Carlos Magno sob o impulso de unificação política que levou ao nascimento do Sacro Império Romano . A atribuição ao Papa Gregório I teria sido introduzida para superar a resistência à mudança nos diferentes ambientes eclesiásticos , forçados a renunciar às suas próprias tradições.

O produto da unificação de dois dos ritos principais, o antigo-romano e o rito galicano, foi codificado no chamado antifonário gregoriano , que continha todos os cantos permitidos na liturgia unificada. Essa unificação classificou as peças de música sacra em uso segundo um sistema de modos, inspirado - pelo menos nos nomes - pelos caminhos da tradição grega: dórica, hipodórica, frígia, hipofrígio, lídio, hipolidio, misolídio , hipomisolido.

A escrita neumática

Ícone da lupa mgx2.svg O mesmo tópico em detalhes: notação Sangallo , notação Metense e notação Square .
Neuma plurisônico

A reforma gregoriana introduziu, nas primeiras escolas de canto, o estudo dos textos em vez da transmissão oral, sacrificando várias peculiaridades regionais, algumas das quais, especialmente as de derivação moçárabe , particularmente ricas, à entonação microtonal , peculiaridade que ainda existia na Idade Antiga. -Rito romano e o papel da improvisação. Ao mesmo tempo, havia a necessidade de "anotar" os textos escritos, a fim de ajudar os cantores a executar a música sempre da mesma forma, através de uma linha melódica que indicava a direção, ascendente ou descendente. Esta necessidade deu origem a signos particulares, os chamados neumas , aparentemente nascidos dos gestos do regente do coro, que, notados nas entrelinhas dos códigos, representavam o andamento da melodia, como já referido, mas deixando entonação e ritmo grátis . A escrita neumática tornou-se assim a forma mais antiga de "notação" - da qual se originou a moderna "nota" musical.

O início da polifonia

Lorenzo Costa : O concerto

A reforma gregoriana não impediu, ao longo dos anos, que as melodias monódicas básicas fossem enriquecidas por amplificações tanto horizontalmente, acrescentando ornamentos à linha melódica, quanto verticalmente, acrescentando outras vozes ao canto do celebrante.

A amplificação horizontal tomou a forma de interpolação de textos e melismos na melodia gregoriana, denominados tropos , ou de composições originais a partir de momentos particulares da liturgia, geralmente o Aleluia, denominados sequências .

A amplificação vertical, que foi o início da polifonia , do grego: muitas vozes, primeiro tomou a forma de uma duplicação ou crosstalk da voz monódica ou vox principalis, com uma segunda voz, chamada vox organalis, com um curso paralelo e distância fixa , geralmente um quarto ou um quinto, de acordo com um procedimento definido posteriormente, ad organum paralele . O vox organalis , ou duplum, inicialmente colocado abaixo do vox principalis , se tornaria mais agudo nos desenvolvimentos que se seguiram. O tratado Musica Enchiriadis, datado de meados do século IX , dá conta do organum paralelo e algumas de suas variações que contemplam exceções ao movimento paralelo das vozes.

O desvio da regra do movimento paralelo das vozes estava destinado a produzir técnicas polifônicas mais complexas: de fato, por volta de 1100 foi desenvolvida a técnica do discanto , onde as vozes, que sempre mantinham distâncias consideradas consoantes, ou seja, quarta, quinta, oitava e uníssono, um movimento mais livre era permitido, um movimento que alternava um movimento paralelo com um movimento contrário.

Nello stesso periodo, emerge una tecnica detta eterofonia , probabilmente derivata dal canto popolare, che consentiva al duplum di eseguire melismi mentre la vox principalis intona, con valori di durata assai prolungati, la melodia originale. Questa pratica è documentata in alcuni codici italiani del XII e XIII secolo , ad esempio nel trattato dell'Organum Vaticano, e da documenti coevi provenienti dalla chiesa di San Marziale a Limoges nel sud della Francia. A questo stile sarà attribuito il nome di organum melismatico .

Non furono queste le uniche alterazioni alla prescrizione monodica gregoriana: nello stesso periodo e nei luoghi dell'organum melismatico si trovano esempio dell'uso di una voce di bordone , ossia un'unica nota bassa che viene prolungata anche per tutta la composizione, composizioni multitestuali dette tropi simultanei in cui le voci cantano testi diversi, anticipando quello che più tardi sarà il mottetto e perfino accenni di composizione a tre voci.

Bisogna infine ricordare che in Inghilterra nacque un tipo di polifonia molto diversa da quella del continente europeo, che ammetteva, enfatizzandoli, gli intervalli di terza e sesta, considerati dissonanti sul continente. Questa tendenza, espressa in composizioni a due o gymel e tre voci o falso bordone , avrebbe in seguito influenzato la musica fiamminga poi diffusosi in tutta l'Europa, diventando la base della musica occidentale che si basa sulle triadi e gli intervalli di terza.

Guido d'Arezzo

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica medievale .

La scrittura neumatica lasciava molto all'immaginazione del lettore, e, proprio per questo, era inadatta alla trascrizione di composizioni di maggiore complessità, che mettevano a dura prova la memoria dei cantori.

Fu nell'opera di Guido d'Arezzo (992 ca.-1050 ca.) che si affermò il primo sistema di grafia diastematica , una stesura, cioè, che permetteva di indicare le diverse altezze delle note da intonare. Guido d'Arezzo chiamava il suo sistema tetragramma perché inseriva dei segni, che sarebbero poi diventati le moderne note, in una griglia costituita spesso da quattro righe parallele.

Fu questo l'inizio dell'uso delle note in cui la grafia delle durate era ottenuta proporzionalmente [13] . Alle note che erano posizionate negli spazi e sulle linee, Guido d'Arezzo assegnò nomi corrispondenti alle sillabe iniziali dei primi sei versetti di un inno dedicato a San Giovanni Battista come memorandum per gli allievi:

( LA )

« Ut queant laxis
Re sonare fibris
Mi ra gestorum
Fa muli tuorum
Sol ve polluti
La bii reatum
S ancte I ohannes»

( IT )

«Affinché possano cantare
con voci libere
le meraviglie delle tue azioni
i tuoi servi,
cancella il peccato
del loro labbro contaminato,
o san Giovanni»

( Inno a San Giovanni )

La vera innovazione di Guido d'Arezzo fu che le prime sillabe dell'Inno, non servirono solo per dare un nome alle note ma, anche a darne l'intonazione relativa. In questo modo un cantore poteva intonare a prima vista un canto mai udito prima semplicemente facendo riferimento alla sillaba dell'Inno con la stessa intonazione della prima nota cui il canto iniziava per averne un'immediata idea della tonica.

A questo procedimento di memorizzazione Guido diede il nome di solmisazione . Negli anni che seguirono il tetragramma di Guido d'Arezzo, in origine dotato di un numero variabile di linee, si sarebbe stabilizzato su cinque linee, assumendo il nome di pentagramma , e la nota Ut avrebbe mutato il suo nome in Do ponendo le basi della notazione musicale moderna.

La musica popolare antica ei trovatori

Il trovatore Bernard de Ventadorn

Dal punto di vista della sua conservazione la musica fu doppiamente svantaggiata. Da una parte soffrì, fino all'invenzione del torchio a stampa, della sorte comune a tutto il materiale che doveva essere tramandato in forma scritta, cioè della rarità del materiale, dei mezzi e delle capacità di tramandarlo. A ciò si aggiunse la mancanza di una notazione che permettesse di scrivere la musica in maniera univoca, cui si giungerà compiutamente solo attorno al 1500 .

A queste circostanze pratiche, si aggiungevano pregiudizi di carattere culturale, risalenti addirittura alla concezione Greca, che individuavano nella pratica musicale una parte nobile, collegata alla parola, e una artigianale, collegata al suono strumentale. La seconda veniva relegata in secondo piano e, nella sua funzione di servizio, lasciata ai musici professionisti, sempre di origine non nobile: questo equivaleva a dire che la musica popolare era affidata esclusivamente alla trasmissione orale, per cui per noi è completamente perduta. Le poche melodie giunte sino a noi, lo hanno fatto spesso intrufolandosi in composizioni considerate degne di essere tramandate, spesso in parti della messa: è questo il caso della melodia detta, L'homme armé e, successivamente, della melodia detta, La Follia . Solo in epoca moderna la musica popolare inizierà ad essere considerata degna di essere tramandata.

Si sa comunque che nel Medioevo si produceva molta musica di carattere non sacro: talvolta per celebrare i potenti, che assumevano regolarmente musicisti, soprattutto trombettisti per accompagnare le cerimonie ufficiali, per accompagnare spettacoli teatrali, sacre rappresentazioni o la recitazione di poesie o semplicemente per ballare. Pare che nel Medioevo esistesse una vera e propria passione per il ballo, attestata fra l'altro dai numerosi editti che proibivano la danza nei cimiteri.

È certo che la recitazione delle poesie fosse spesso, se non sempre, accompagnata dalla musica: quasi certamente gran parte venivano infatti cantate piuttosto che recitate. [14] Una famosa raccolta profana, i Carmina Burana , ha tramandato i soli testi dei canti dei chierici vaganti attorno al XIII secolo .

Un'altra importante testimonianza, profana anche se non propriamente popolare, composizioni dei trovatori , dei trovieri e dei Minnesanger , cantori e poeti vaganti, le cui prime testimonianze datano attorno all' XI secolo . Di provenienza linguistica diversa, lingua d'oc o occitano per i trovatori, lingua d'oïl per i trovieri, tedesco per i minnesanger o menestrelli , essi erano accomunati dall'argomento delle loro canzoni, l' amor cortese e dalla loro frequentazione, appunto delle corti, dove era stata elaborata questa forma ritualizzata d'amore. La diffusione delle composizioni trobadoriche, accompagnò anche la diffusione dell'idea che l'educazione musicale, rigorosamente non professionale, dovesse far parte dell'educazione di un nobile. Come per il resto delle composizioni popolari però, anche la parte musicale delle composizioni trobadoriche è andata quasi completamente perduta.

Ars Antiqua

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Ars antiqua .
La facciata occidentale di Notre-Dame

Nel 1150 si sviluppa a Parigi attorno alla Cattedrale di Notre Dame una grande scuola contrappuntistica europea, di ispirazione pitagorica , detta appunto scuola di Notre Dame , o anche Ars Antiqua , in contrapposizione all' Ars nova , che sarà un altro grande movimento polifonico che nascerà nel XIV secolo e in contrapposizione all'Ars Antiqua, la cui parabola terminò, con la scuola di Notre Dame, nel 1320 .

Dal punto di vista della notazione musicale, la Scuola di Notre Dame introdusse la tecnica di indicare precisamente l'altezza delle note, che nell'opera di Guido d'Arezzo era ancora intesa in maniera relativa, in modo simile a quello che avviene nella composizione musicale moderna, e la prima idea di divisione delle durate: ogni nota poteva essere divisa in tre note di durata inferiore.

Dalla scuola di Notre Dame ci vengono i nomi di magister Leoninus (Leonin) e magister Perotinus (Perotin), i primi autori di musica sacra , modernamente intesi, della storia della musica occidentale.

Il Trecento: l'Ars Nova

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Ars nova .

Il XIV secolo fu il secolo in cui iniziò in tutta Europa un rafforzamento del movimento di laicizzazione della cultura, che iniziò a distanziarsi dai condizionamenti ecclesiastici e ad acquistare una sua dimensione autonoma. Questo fenomeno si manifestò in tutti gli aspetti della produzione artistica: in letteratura si ebbe la compresenza di un'opera teologica del mondo, la Divina Commedia , e, della commedia umana di Boccaccio , egualmente accettate e apprezzate. In pittura si passa da figure più semplici alla dimensione fisica dell'uomo; in architettura , accanto ai luoghi ecclesiastici, si vede una maggior diffusione del palazzo nobiliare e della nuova ricca borghesia, con un progressivo sviluppo della città e delle abitazioni aristocratiche. Anche la musica acquisì una sua autonoma dimensione. L'ars antiqua si chiude nel 1320, data a cui risalgono due trattati: Ars novae musicae di Johannes de Muris e Ars nova musicae di Philippe de Vitry , che iniziarono il periodo cosiddetto dell' Ars nova .

Questa scuola sviluppò ulteriormente il concetto di notazione mensurale , aggiungendo altre durate a quelle usate fino ad allora, ed estendendo l'applicabilità della divisione binaria dei valori; inoltre accentuò gli aspetti musicali delle composizioni, moltiplicando le voci dei cantori ed introducendo ad esempio la forma politestuale del mottetto , rispetto agli aspetti testuali. Queste innovazioni la posero ben presto in polemica con gli esponenti dell' Ars antiqua , polemica che assunse toni così violenti da dover essere sedata da un intervento regale.

Il punto di vista arsnovistico infine prevalse, ei suoi insegnamenti furono alla base delle ulteriori innovazioni musicali che avrebbero avuto luogo nel secolo successivo nelle Fiandre .

Nell'ambito della musica popolare, gli anni trenta e quaranta videro la diffusione di un nuovo genere musicale, la chanson parigina , un canto sillabico a più voci generalmente omoritmico, ossia le voci cantano simultaneamente note della stessa durata. Questo genere subì molti mutamenti ed evoluzioni; infatti, nella seconda metà del XV secolo una forma, puramente strumentale, derivata da questa, detta canzone da sonar , divenne l'antenata delle forme strumentali che saranno successivamente sviluppate nel periodo barocco.

Il Quattrocento

Guilaume Dufay

I rivolgimenti economici e sociali del XV secolo , soprattutto la guerra dei cent'anni e lo sviluppo dei traffici nel nord Europa, ridussero l'influenza politico/culturale della Francia dando impulso allo sviluppo delle arti in generale e della musica in particolare nelle regioni della Fiandra e della Borgogna . La scuola che si sviluppò, finanziata nelle scuole delle cattedrali dalla borghesia benestante, prese il nome di scuola franco fiamminga innovando notevolmente le preesistenti forme della liturgie della messa , del mottetto e della chanson . Ponendo, sia le consonanze per terze, ancora oggi familiari all'orecchio occidentale, che la forma imitativa del canone alla base delle loro procedure compositive, i fiamminghi, tra i quali ricordiamo il fondatore Guillaume Dufay e il grande Josquin Des Prez , rivoluzionarono la pratica della polifonia ereditata dall' Ars nova e dall' Ars antiqua . Il lavoro di questi compositori poneva le basi per lo sviluppo di quella che sarebbe stata la teoria dell' armonia .

La monumentale complessità cui pervennero le composizioni fiamminghe [15] , le regole da essi codificate e la minuta tassonomia con la quale classificarono le forme da essi frequentate, soprattutto il canone, finirono per inaridire e considerare artificiose le composizioni dell'ultimo periodo fiammingo: a questo punto (tra il XVI e il XVII secolo ), gli insegnamenti dei fiamminghi erano stati assimilati dagli altri musicisti europei ed erano divenuti parte integrante della polifonia.

La produzione musicale italiana di questo secolo non è ben documentata. Si sa che vi fu un'espansione della musica d'uso, nelle corti e in genere nelle occasioni profane, la cui parte musicale, affidata come di consueto alla tradizione orale, fu quasi interamente perduta. Di questo periodo si ricordano i canti carnascialeschi o canti di Carnevale, nati a Firenze nell'epoca di Lorenzo il Magnifico . Si tratta di canti popolareschi a più voci: una vera e propria polifonia in cui tutte le voci posseggono lo stesso ritmo, tecnicamente definita come polifonia omoritmica .

Si affermarono inoltre diverse forme quasi monodiche , o comunque con polifonie omoritmiche molto più semplici di quelle fiamminghe, in cui il testo prevaleva sull'intreccio musicale. Tra queste era popolare la forma detta frottola . Da Napoli proveniva la villanella , che inizialmente si chiamò infatti villanella alla napoletana, una forma a tre voci, inizialmente in dialetto napoletano, che diventò una forma internazionale, come il madrigale . Fu una forma dal carattere fortemente popolare, caratterizzata dalla presenza di quinte parallele, quasi a sottolineare la distanza dalla tradizione colta dello stesso periodo.

Il Cinquecento

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica rinascimentale , Scuola veneziana e Scuola romana (musica) .

Nel XVI secolo si verificò di uno degli eventi più importanti per la diffusione della musica: la nascita dell'editoria musicale. Nel 1501 a Venezia venne per la prima volta pubblicato, ad opera di Ottaviano Petrucci , l' Harmonice Musices Odhecaton , un intero volume di musica a stampa. Petrucci utilizzò dei caratteri mobili: uno stampatore romano, Andrea Antico , utilizzò pochi anni dopo un procedimento di tipo xilografico per ottenere lo stesso risultato.

Un'altra importante diramazione della chanson parigina fu in Italia la composizione musicale del madrigale , nato ad opera del francese Philippe Verdelot e del fiammingo Jacques Arcadelt . Era una forma cantata a più voci, in cui il significato del testo comunicava il carattere espressivo alla musica; in essa si cimentarono i principali musicisti dell'epoca, tanto italiani, Palestrina , Monteverdi , Carlo Gesualdo , quanto stranieri, Orlando di Lasso , Adrian Willaert , ed altri appartenenti alla sesta generazione fiamminga.

L'avvento della Riforma Luterana e la reazione cattolica controriformista, culminata nel Concilio di Trento (1545-1563) ebbero un profondo influsso sulla musica sacra. Nel mondo tedesco, la traduzione in tedesco dei canti liturgici e la loro messa in musica spesso su melodie profane, creò la tradizione del corale protestante. Nel mondo cattolico, si creò un movimento di ritorno alle origini del gregoriano, che si distanziava dall'eccessiva complessità introdotta dalla scuola fiamminga nel secolo precedente, e proibiva ogni messa di derivazione musicale profana, richiamando i compositori al rispetto dell'intelligibilità del testo. Particolarmente sensibile a questi dettami fu il musicista italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594), che, come compositore o maestro di diverse cappelle romane, [16] lasciò un corpus di 100 messe, 375 mottetti e più di 300 altre composizioni che costituirono in pratica la rifondazione della musica sacra cattolica, stabilendo un canone stilistico che sarebbe stato per secoli a venire il riferimento per la musica liturgica.

Allo stesso tempo, negli ambienti umanistici si sviluppava una polemica tra i proponenti delle forme polifoniche ei proponenti delle forme monodiche, dove questi ultimi vestivano i panni degli innovatori. Fondamentale fu il circolo fiorentino della Camerata de' Bardi , che, verso la fine del secolo, produsse ben due versioni, tra loro in concorrenza, di un dramma musicale, l' Euridice , dove veniva impiegata una tecnica nuova, detta del recitar cantando , dalla quale nel XVII secolo il genio di Claudio Monteverdi avrebbe fatto nascere il melodramma .

Il trattato De Institutioni Harmonica ( 1558 ) di Gioseffo Zarlino , uno dei conservatori e difensori della polifonia nella polemica sopra accennata, definisce in modo completo ed esauriente le leggi dell'armonia e quindi della polifonia.

Il Seicento e il Settecento: Il Barocco e il Classicismo

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica barocca e Classicismo (musica) .

Il periodo Barocco copre il periodo tra il XVII e il XVIII secolo , in particolare dal 1600 al 1750. Il termine Barocco deriva dal termine dispregiativo utilizzato per indicare una pietra di forma irregolare, termine coniato nel secolo successivo. Le sue finalità erano quelle di meravigliare e stupire. Storicamente, la musica aveva quasi sempre previsto la presenza di elementi vocali, eventualmente con parti elaborate per strumenti musicali, mentre il Barocco prevedeva una prevalenza nell'utilizzo di strumenti, prevalenza che si sviluppò inizialmente all'interno delle chiese veneziane , sfruttando le possibilità acustiche della chiesa di San Marco. Si cominciò a scrivere per uno strumento musicale, sfruttando le capacità dello strumento stesso: questo tipo di scrittura prese il nome di Musica Idiomatica . Nei palazzi aristocratici si formò così la figura del Virtuoso, figura che in seguito arriverà anche nei palazzi vescovili.

La musica occidentale si sviluppò con straordinaria rapidità attraverso i secoli successivi, anche perfezionando il suo sistema tonale . La tonalità è un sistema musicale basato su scale maggiori e minori. Su ogni grado della scala si può costruire un accordo; gli accordi possono essere di posa (1°-6°), poco movimento (2°-4°), o movimento (5°-7°) e possono essere anche consonanti o dissonanti. Una pietra miliare è costituita dalle composizioni di Johann Sebastian Bach del Clavicembalo ben temperato [17] , opera che mette in pratica il cosiddetto sistema dei buoni temperamenti.

Tipologie d'opera dell'epoca barocca

Alcune tipologie di opera dell'epoca barocca sono:

Suite : considerata una successione di danze stilizzate composte solo per essere ascoltate: l' allemanda ha origine tedesca, la giga ha origini irlandesi, la corrente ha origine italiana/francese, infine la sarabanda di origine spagnola: questa successione di danze fu inventata da Froberger.

Sonata : brano strumentale simile al madrigale.

Forma libera : le sezioni del madrigale diventano quelle della sonata: passa dall'essere un unico brano a essere formato da più tempi. Lento-veloce-LV chiesa; VLVL camera.

Melodramma : nel 1570 in casa Jacopo Bardi , successivamente in casa Jacopo Corsi , alcuni artisti si riuniscono e decidono di far rivivere la tragedia greca basandosi sulla convinzione che fosse interamente cantata in un canto monodico accompagnato. Nel 1598 si arriva alla realizzazione della Dafne , musicata da Jacopo Peri e Corsi, della quale resta oggi solo qualche frammento. Nel 1600 viene composta, da Peri e Giulio Caccini , per il matrimonio di Maria de' Medici e Enrico IV di Francia , l' Euridice , con testi di Ottavio Rinuccini . Nello stesso anno l'opera di Emilio de' Cavalieri , Rappresentatione di anima et corpo , dotata dello stesso impianto di un melodramma, ma non è definibile come tale, dato che i melodrammi devono essere di argomento profano e questo non lo era. L'Euridice viene notata dal duca Gonzaga di Mantova che commissiona un melodramma al suo musicista Monteverdi , che compone nel 1607 l' Orfeo . I primi melodrammi vengono eseguiti in recitar cantando , una forma di canto monodico accompagnato: da lì nascono il recitativo e l' aria . Gli argomenti dei primi melodrammi sono di argomento mitologico per giustificare l'inverosimiglianza del dialogo cantato. Viene molto utilizzato il mito di Orfeo e Euridice perché si esprime la magia e la bellezza del canto di Orfeo capace di muovere gli affetti. Il finale veniva spesso cambiato perché i melodrammi dovevano avere un lieto fine, cosa che non caratterizzava questo mito.

Nel periodo barocco si istituirono alcune scuole per musicisti come associazioni laiche. In Italia nascono i primi conservatori, nati in realtà come orfanotrofi , a Venezia venivano chiamati ospedali, in cui agli orfani veniva fatta studiare la musica. In Italia Antonio Vivaldi operò molto negli orfanotrofi, come insegnante e direttore di orchestra. Innovando dal profondo la musica dell'epoca, Vivaldi diede più evidenza alla struttura formale e ritmica del concerto , cercando ripetutamente contrasti armonici e inventando temi e melodie inconsuete. Il suo talento consisteva nel comporre una musica non accademica, chiara ed espressiva, tale da poter essere apprezzata dal grande pubblico e non solo da una minoranza di specialisti. Vivaldi è considerato uno dei maestri della scuola barocca italiana, basata sui forti contrasti sonori e sulle armonie semplici e suggestive. Altro importante esponente della musica strumentale italiana di questo periodo è Domenico Scarlatti , pioniere di tecniche tastieristiche nuove per i suoi tempi, come arpeggi , note ribattute in agilità, incroci delle mani, ottave spezzate e percosse, doppie note. Dal punto di vista dello stile, le sue sonate sono caratterizzate da una rapidissima mobilità espressiva e da una grande inventiva armonica, con l'impiego di accordi spesso sorprendenti. La scuola pianistica russa ha tenuto in grande considerazione la musica del Scarlatti per le sue grandi qualità didattiche ed artistiche. Alla fine del Cinquecento un prete fiorentino, S. Filippo Neri , crea piccole assemblee dove i fedeli possono pregare e discutere insieme di argomenti religiosi. Queste assemblee ebbero molto successo. Vennero emulati ovunque. Durante queste assemblee i partecipanti discutevano e pregavano cantando delle Laudi polifoniche . Con la morte di S. Filippo Neri, l'utenza diventò di un ceto sociale più alto. Si cominciano a cantare i Madrigali, e piano piano si trasformano in oratori. Le principali differenze tra melodramma e oratorio sono: l'oratorio è privo di azione scenica, prevalgono la sacralità, le fondamentalità del coro, la presenza del narratore (historicus), mentre nel melodramma vi è un'azione scenica, l'argomento è profano, non ce n'è il coro né il narratore. Mentre fino al XVI secolo prevalevano gli strumenti a fiato in quanto più idonei ad eseguire la musica polifonica; nel '600 prevalsero gli archi anche perché con questo tipo di strumento puoi produrre più effetti e dinamiche. Fino a quel momento non esisteva il concetto di pubblico, dato che le opere venivano eseguite solo nelle corti. Nel 1637 con l'apertura del primo teatro pubblico a Venezia, la popolazione sarà quella che paga e comincerà a condizionare le scelte musicali. Durante la prima metà del Seicento nella scuola veneziana, Girolamo Frescobaldi scrisse per organo e clavicembalo , una musica polifonica dove inserisce il virtuosismo, dando anche indicazioni all'esecutore. Le forme dei brani che scrive sono: canzona , ricercare , toccata e capriccio . Accanto a quelle di Bach , sono di fondamentale importanza le composizioni del tedesco Georg Philipp Telemann , che esce dagli schemi della scuola tedesca di quel tempo. Vi è inoltre la grande presenza di Wolfgang Amadeus Mozart . Senza dubbio è uno dei più grandiː grazie a lui l'evoluzione della musica può poggiare su delle grandi fondamenta che si estendendono in tutti i campi, nella sinfonia , nell' opera , nella musica da camera , nelle serenate , e rappresenta di fatto il legame, possiamo dire, tra la musica del settecento [18] e quella romantica del XIX secolo.

L'Ottocento

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica romantica , Musica tardo-romantica e Storia della sinfonia .

Tra il 1750 ed il 1850 la musica classica occidentale si espresse in forme sempre più ricche ed elaborate, sia in campo strumentale, uno straordinario sviluppo ebbe la forma della sinfonia , che in campo operistico , sfruttando sempre più diffusamente le possibilità espressive fornite dal sistema armonico e tonale costruito nei secoli precedenti.

All'inizio del secolo giganteggia la figura di Ludwig van Beethoven (1770-1827), testimone dell'eredità di Mozart e dei compositori classici coevi, per arrivare a trasfigurare le forme musicali canoniche, soprattutto la sinfonia , la sonata , il concerto ed il quartetto d'archi , creando al contempo il concetto di musica assoluta , cioè svincolata dalle funzioni sociali cui era stata fino ad allora subordinata. Con Beethoven si assiste alla nascita della figura del compositore/artista, contrapposta a quella, in precedenza prevalente, del musicista/artigiano. Le nove sinfonie di Beethoven ebbero tale risonanza da promuovere la forma della sinfonia come la regina tra le forme musicali, al punto che molti dei musicisti venuti dopo di lui temevano di misurarsi con essa. Ciò nonostante, compositori come Johannes Brahms , Anton Bruckner e Gustav Mahler l'affrontarono con risultati così notevoli da far parlare di " Stagione del grande sinfonismo tedesco ".

In Beethoven si trovano le prime manifestazioni del romanticismo musicale, molti protagonisti del quale furono di area germanica e austriaca, come Weber , Schubert , Mendelssohn e Schumann . In Francia operavano invece Berlioz e il polacco Chopin . Emerge in questo periodo anche la figura del musicista virtuoso, che ha in Franz Liszt e Niccolò Paganini i due esempi più famosi e celebrati.

L' Ottocento è anche il secolo della grande stagione operistica italiana, che ha come protagonisti Gioachino Rossini (1792-1868), Vincenzo Bellini (1801-1835), Gaetano Donizetti (1797-1848), Giuseppe Verdi (1813-1901) e, a cavallo del secolo seguente, Giacomo Puccini (1858-1924). La tradizione operistica italiana continua ad esaltare il ruolo del canto che, sciolto dall'eloquenza dell'opera settecentesca diviene momento lirico, pura espressione dell'anima. Nel corso del secolo tuttavia essa assorbe progressivamente aspetti dell'opera francese, da sempre attenta all'aspetto visivo ea partire dalla seconda metà del secolo legata all'estetica del naturalismo . Quanto all'orchestra, da semplice accompagnamento del canto si evolve fino a diventare, nelle ultime opere di Verdi e successivamente in Puccini, un' orchestra sinfonica .

Alla fine del secolo la ricerca di nuove forme e di nuove sonorità porta alla crisi del sistema tonale, espressa nel famoso preludio del Tristano e Isotta di Richard Wagner del 1865 , che contiene passaggi armonicamente enigmatici, non interpretabili alla luce delle regole in vigore in quegli anni.

Il Novecento

Nel XX secolo , parallelamente al versante colto, che in realtà si estende molto al di là dei confini tracciati dalla musica seriale, assunsero grande importanza i generi musicali popolari, cui i mezzi di comunicazione di massa consentirono una diffusione senza precedenti.

La musica colta

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica moderna , Musica contemporanea e Musica postmoderna .

Dopo la crisi del sistema tonale, a cavallo tra Ottocento e Novecento si avvia una frenetica ricerca di nuovi codici linguistici su cui basare la composizione musicale . Le soluzioni proposte sono diverse: dal ritorno alla modalità , all'adozione di nuove scale, di derivazione extraeuropea, come quella per toni interi , proposta per primo da Claude Debussy , al cromatismo atonale e poi dodecafonico che tende a scardinare la tradizionale dualità di consonanza/dissonanza.

In particolare, nel secondo decennio Arnold Schönberg , assieme ai suoi allievi, tra cui si ricordano Alban Berg e Anton Webern , giunge a delineare un nuovo sistema , noto come, dodecafonia , basato su serie di 12 note. Alcuni ritennero questo l'inizio della musica contemporanea , spesso identificata con la musica d' avanguardia : altri dissentirono vivamente, cercando altre strade. Il concetto di serie, inizialmente legato ai soli intervalli musicali, si svilupperà nel corso del secondo Novecento sino a coinvolgere tutti i parametri del suono. È questa la fase del serialismo , il cui vertice fu raggiunto negli anni cinquanta con musicisti come Pierre Boulez , John Cage , Terry Riley , Steve Reich .

Altri musicisti - tra cui Igor' Fëdorovič Stravinskij , Béla Bartók e Maurice Ravel - scelsero di cercare nuova ispirazione nelle tradizioni folkloristiche e nella musica extraeuropea, mantenendo un legame con il sistema tonale, ma innovandone profondamente l'organizzazione e sperimentando nuove scale, ritmi e timbri.

In Italia spiccano Gian Francesco Malipiero e Luigi Dallapiccola per il primo Novecento, Luciano Berio e Luigi Nono nel secondo dopoguerra.

La musica da film

Con l'avvento della cultura cinematografica , inizia anche la diffusione della "musica da film" o colonna sonora , che riprende la funzione di "commento musicale" delle scene, come accade per il teatro. Sergej Prokof'ev fu uno fra i primi musicisti a lavorare per il cinema, in particolare collaborò con il regista Ėjzenštejn . Tra gli altri compositori celebri del XX e XXI secolo vi sono Philip Glass , Ennio Morricone , Nino Rota , John Williams , Alfred Newman , Bernard Herrmann , Henry Mancini , Danny Elfman , Thomas Newman , John Powell , Hans Zimmer e David Newman . Per questo genere di musica non vi sono dei canoni o metodi musicali precisi che lo contraddistingue dagli altri, dato che ogni compositore possiede un suo stile personale e può avere influenze diverse da qualsiasi altro genere: dalla musica classica, dal jazz o dal rock e così via. Con la nascita dei videogiochi, le colonne sonore hanno trovato un altro campo di applicazione, conosciuto per tali opere come background music .

Il jazz, il ragtime ed il blues

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Jazz e Blues .
Louis Armstrong negli anni trenta

All'inizio del Novecento, negli Stati Uniti d'America , iniziano a diffondersi tra la popolazione urbana diversi generi musicali derivati dalle tradizioni popolari degli africani portati come schiavi sul continente, e dalle loro unioni con le tradizioni musicali bianche.

Nascono e acquistano notorietà in questo modo il ragtime , il blues urbano, derivato dal cosiddetto blues primitivo che veniva cantato nelle campagne, e da ultimo, il jazz , che combinava la musica bandistica e da parata, suonata soprattutto a New Orleans , con forti dosi d' improvvisazione e con particolari caratteristiche ritmiche e stilistiche.

L'invenzione del fonografo , prima, e della radio , poi, permise una diffusione senza precedenti di questi nuovi generi musicali, spesso interpretati da musicisti autodidatti molto più legati ad una tradizione musicale orale che non alla letteratura musicale. Questo fatto, le origini non europee degli interpreti, e il citato ricorso all'improvvisazione, contribuirono a creare musiche di grande freschezza e vitalità. Al contrario di quello che era successo tante volte nella storia della musica, la tecnologia offriva ora ad una musica popolare, fondata più sulla pratica che sulla carta, di essere trasmessa e tramandata, piuttosto che dimenticata.

La musica jazz continuò a svilupparsi per tutto il XX secolo , diventando prima musica di larghissimo consumo durante gli anni venti e gli anni 30 , detti anche gli anni dello swing , intrecciandosi con altri generi per dare vita a forme di espressione musicale ancora diverse, la più commercialmente rilevante delle quali fu il rock , ed evolvendosi poi gradatamente in una musica per musicisti e per appassionati, quando non per élite, espandendosi fuori dall'America e trovando seguaci prima in Europa, dove fu spesso apprezzata più che nel suo luogo di nascita, e poi in tutto il mondo, diventando uno dei contributi musicali più importanti del Nuovo Continente.

La musica pop

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica pop .
Presley in un'immagine degli anni settanta

All'inizio del XX secolo la musica occidentale è dunque ormai profondamente cambiata, e scossa fin dalle fondamenta. Non solo, ma cambiano anche, grazie alle invenzioni relativamente recenti della radio e del fonografo , i modi ei tempi di ascolto della musica stessa, prima limitati a concerti in locali appositamente adibiti, come teatri , locali, club o case private. Da una parte inizia a crearsi un pubblico potenziale più vasto e meno acculturato, che apprezza sistemi melodici e armonici più semplici, dall'altra mai come in questo periodo storico è stato facile, per chi volesse suonare, procurarsi uno strumento e imparare a usarlo.

A questo si deve aggiungere una seconda rivoluzione, anche questa tecnologica: l'invenzione dell' altoparlante e dell'amplificazione audio, che permette di far suonare assieme strumenti che non potrebbero farlo altrimenti (come per esempio una chitarra , una batteria di tamburi e un pianoforte ), perché il suono di alcuni di essi prevaricherebbe completamente gli altri.

Queste nuove possibilità tecniche crearono l'occasione per nuovi veicoli espressivi che la musica colta tardò a cogliere e che la nuova musica popolare non ebbe alcun problema ad adottare, creando, tra il 1920 fino al 1980 e in misura minore negli anni successivi, una grande fioritura di nuovi stili e generi, quali jazz , blues , rock , soul , pop , funk , metal e fusion , ognuno dei quali si è suddiviso in ulteriori sottogeneri. Nascono così personaggi che diventano autentici fenomeni mediatici raggiungendo una popolarità senza precedenti. Gli stessi fattori, assieme alle mutate condizioni sociali ed economiche del mondo occidentale, fanno assumere estrema rilevanza agli aspetti commerciali del fenomeno musicale, aspetti che avevano iniziato ad emergere già nel secolo precedente: nel XX secolo la richiesta popolare di musica fa nascere, in occidente e nel resto del mondo, una vera e propria industria musicale di dimensioni e risorse gigantesche. Inoltre nacquero le prime sigle di cartoni animati, una delle tante è Mimì e la nazionale di pallavolo

Il rock

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Rock e Rock and roll .

Il rock è la dizione abbreviata di rock and roll o rock'n'roll, e, da quando si affermò questa espressione abbreviata, si svilupparono diversi sottogeneri che enfatizzavano gli aspetti più aggressivi di questo genere. La parola rock si iniziò a leggere come, roccia, e, in espressioni come hard rock cioè, roccia dura . Il rock'n'roll nacque negli anni cinquanta come musica ballabile, derivato dal boogie-woogie , ballo afro-americano del dopo guerra, il cui significato infatti, sta proprio per ondeggia e ruota . Quando il rock e il rock'n'roll si differenziarono, cioè da quando appunto non furono più sinonimi, solo la seconda espressione venne intesa come forma originaria di questo genere. Storicamente un gruppo, o una band è formata da una voce, una o più chitarre , il basso e la batteria , spesso con l'inserimento di pianoforte o sassofono . Negli anni settanta, soprattutto nel Regno Unito , si affacciarono personaggi come i Pink Floyd , Arthur Brown e Soft Machine , pronti a spaziare ea raggiungere nuove melodie musicalmente più complesse rispetto a quelle del rock primitivo, creatività che diede inizio ad una rivoluzione. In questa rivoluzione venne coinvolta anche la tecnologia, che con il sintetizzatore , il moog , il mellotron , strumenti elettronici che iniziarono a dare vita a forme compositive sempre più complesse ea sonorità completamente nuove. Lo sviluppo del rock ha condotto alla creazione di sottogeneri anche molto diversi tra di loro, che spaziano dalla ricerca virtuosistica e alla complessità compositiva del progressive , al diretto minimalismo del punk , passando per l' Heavy metal , caratterizzato da ritmi aggressivi, e tematiche che spaziano dalla violenza anarchica alla lotta per la libertà, dai racconti storico-tragici al fantasy, dalla futilità della guerra alla condanna degli orrori del genere umano. Questi sottogeneri spesso svolgono un ruolo importante nella ricerca giovanile di una propria identità, finendo dunque col legarsi a sottoculture preesistenti o, addirittura, con il crearle.

La musica elettronica

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica elettronica .

In seguito all'invenzione delle primissime apparecchiature tecnologiche avvenute nel corso del Novecento, vennero fondati, a partire dalla seconda metà degli anni quaranta, i primi studi di registrazione dedicati alla musica elettronica. [19] I musicisti che vi operavano erano tutti autori di composizioni d'avanguardia atonali e concettualmente legate alla musica contemporanea. Fra essi, i più importanti includono John Cage , Pierre Henry , e Karlheinz Stockhausen . A partire dagli anni sessanta, l'aumento della produzione di apparecchiature elettroniche, e la conseguente popolarizzazione , permise alle sonorità prodotte dalle nuove tecnologie di influire su un numero sempre crescente di stili di musica popolare, come avvenne con la musica Dub ed il Reggae. Fra essi vanno segnalati almeno il krautrock , stile sperimentale emerso in Germania lungo la prima metà degli anni settanta [20] e comprendente fra i suoi esponenti gli influentissimi Kraftwerk , [21] il synth pop , uno dei primi stili melodici suonati con tecnologie elettroniche, la musica house , e la techno .

Note

  1. ^ musica nell'Enciclopedia Treccani
  2. ^ Wallin Nils Lennart, Steven Brown e Björn Merker, The Origins of Music , Cambridge, MIT Press, 2001, ISBN 0-262-73143-6 .
  3. ^ Bernie Krause, The Great Animal Orchestra: Finding the Origins of Music in the World's Wild Places , Little Brown/Hachette, New York, 2012.
  4. ^ Definizione di litofono , su treccani.it .
  5. ^ Ricostruzione di Marcelle Duchesne-Guillemin dell'inno che può essere ascoltata su Urkesh webpage , benché vi siano almeno altre quattro "diverse interpretazioni della notazione, ciascuna delle quali porta a risultati completamente differenti". West 1994, 161. In aggiunta a West e Duchesne-Guillemin (1975, 1977, 1980, & 1984), le interpretazioni alternative comprendono Anne Draffkorn Kilmer (1965, 1971, 1974, 1976, & 1984), David Wulstan (1968), e Raoul Vitale (1982).
  6. ^ La canzone più antica del mondo: l'inno a Nikkal , su vanillamagazine.it .
  7. ^ West 1994, 171.
  8. ^ In un riferimento che sembra alludere a un'epoca attorno al 3200 - 3300 aC
  9. ^ ( EN ) You Lan
  10. ^ l'effetto degli ultrasuoni prodotti dall'organo è documentato anche da alcuni studi scientifici.
  11. ^ Di ampiezza inferiore ad un semitono e perciò dette microtoni.
  12. ^ Ossia affidata ad un solista, dalla parola greca il cui significato è "una voce sola".
  13. ^ La durata di una nota era indicata in proporzione alle altre.
  14. ^ Questo era ad esempio il caso delle composizioni del Petrarca .
  15. ^ Si ricorda il mottetto "Deo Gratias" di Johannes Ockeghem , a 36 voci a parti reali - cioè senza alcun raddoppio di una o più linee melodiche, sia all'unisono che all'ottava.
  16. ^ Tra cui, per un breve periodo, anche la Cappella Sistina .
  17. ^ I° libro del 1722, II° libro del 1744, e raccolta di 48 Preludi e Fughe in tutte le tonalità.
  18. ^ Le sinfonie calme e serene, che rispecchiano alla perfezione gli schemi musicali di Haydn .
  19. ^ Jean-Jacques Nattiez, Enciclopedia della Musica I - il Novecento, Einaudi, 2011, 337-338, 413-417.
  20. ^ Progressive & Underground (Cesare Rizzi, Giunti, 2003) pag. 8
  21. ^ Cesare Rizzi, Enciclopedia Rock Anni '80, Arcana Editrice, 2002, pp. 295

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