Música clássica

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Disambiguation note.svg Desambiguação - Se você está procurando o período da história da música entre o Barroco e o Romantismo, veja Classicismo (música) .

O termo música clássica refere-se à música culta , sacra e profana , composta ou com raízes no contexto da cultura ocidental . Abrange aproximadamente um período de tempo que vai do século XI e se estende até o século 20 [1] ou, dependendo das convenções, até a época contemporânea . Este período inclui, em particular, o período caracterizado pelo desenvolvimento e uso prevalente da harmonia tonal , codificada entre os séculos XVII e XIX [2] . Em contextos mais especializados, o termo "música clássica" também pode ser referido, em um sentido mais restrito, ao período musical denominado Classicismo [3] , mas na linguagem comum a expressão é entendida em seu significado mais amplo (em oposição à música light ou música popular ).

Os limites da categoria são confusos e questionáveis, já que o tipo de classicismo é geralmente atribuído pela posteridade; portanto, o que hoje é definido como "clássico" não o era necessariamente na época em que foi composto. Em particular, dependendo do contexto, o conceito de "música clássica" pode ou não incluir música culta contemporânea. A indicação de "música clássica" em referência à música culta europeia surge no início do século XIX , com o objetivo de "canonizar" o período de Bach a Beethoven , passando por Handel e Mozart , como a era de ouro da música [4] e as primeiras referências a este uso, conforme relatado no Oxford English Dictionary , datam de cerca de 1836. [1] [5]

Uma característica importante da música culta europeia é o abandono da tradição oral e a introdução de um sistema de notação musical , desenvolvido gradualmente a partir do século IX . [6] Com o passar do tempo a improvisação e a ornamentação extemporânea ou ad libitum , comumente utilizadas até os séculos XVII e XVIII , foram gradativamente perdendo espaço na execução do repertório escrito, em que a vontade do compositor, transferida para a notação, é interpretada dentro os limites da própria composição, não permitindo mais espaço para mudanças arbitrárias na música por parte dos intérpretes. [7] [8] [9]

Recursos

Dada a variedade extremamente ampla de formas, estilos, gêneros e períodos históricos geralmente percebidos como "música clássica", é difícil identificar características comuns que podem caracterizar todas as obras desse tipo. As descrições mais típicas são vagas e de vários tipos, talvez referindo-se à perspectiva histórica (algo "composto há muito tempo", uma afirmação bastante questionável se considerarmos o próprio conceito de música clássica contemporânea ). No entanto, existem características que a música clássica compartilha com poucos ou nenhum outro gênero musical. [10] Entre as características determinantes, está a adoção de um sistema de notação musical que tem permitido a passagem da tradição oral para a literatura escrita, alterando profundamente a transmissão da música e mudando radicalmente a forma de estudar e comunicar e de transmitir. o repertório para a posteridade. Outro ponto chave, possibilitado pela transição da cultura musical oral para a escrita, é o desenvolvimento de uma harmonia sólida e metódica que permite construir composições musicais de considerável dimensão e complexidade, sem precedentes e não comparáveis ​​com outras culturas musicais., Obrigado também à introdução da técnica de modulação e sua aplicação à construção do discurso musical, permitindo uma maior variedade.

Literatura

Uma característica fundamental da música clássica ocidental é o abandono, a partir do século IX , da tradição oral, que caracterizou a música da antiguidade e que continua a caracterizar a música popular e de muitas culturas não europeias. O repertório é escrito em notação musical , com a criação de uma parte musical ou partitura para cada instrumento e, na música ensemble, uma partitura que permite que as partes de todos os instrumentos sejam observadas em conjunto. Essa notação geralmente determina com precisão o ritmo e a entonação e, quando dois ou mais músicos (cantores e instrumentistas) estão envolvidos, especifica como as diferentes partes individuais são coordenadas. A notação musical, além de preservar as obras ao longo do tempo, tem permitido criar composições de alto nível de complexidade: a música contrapontística , como nas fugas de Bach , atinge uma elaboração extraordinária com a combinação de tantos versos melódicos que, embora claramente distintos, eles se encaixam perfeitamente em um nível rítmico e harmônico. Isso também permitiu o desenvolvimento de uma lógica harmônica coerente que seria impossível trazer a níveis semelhantes de complexidade improvisando. [11]

Instrumentação

Ícone da lupa mgx2.svg Mesmo tópico em detalhes: Sopros , Metais (música) , Cordas (música) , Percussão e Teclados (música) .
Uma banda jovem durante uma execução

Os instrumentos mais comumente usados ​​no repertório de música clássica foram amplamente inventados antes de meados do século XIX (muitas vezes muito antes) e desenvolveram sua forma moderna entre os séculos XVI e XIX. Os instrumentos mais comuns estão presentes na orquestra ou na banda , juntamente com inúmeros outros instrumentos para uso principalmente solo (como o piano , o cravo e o órgão ). A orquestra sinfônica é o mais conhecido formação musical conjunto ao público em geral para o desempenho da música clássica [12] e inclui as famílias das cordas , ventos ( sopros e bronze ) e percussão . A banda é outro conjunto musical que frequentemente executa música clássica; é composto por instrumentos pertencentes às famílias da madeira, latão e percussão. Normalmente tem uma variedade maior (especialmente entre os metais) e uma quantidade maior de instrumentos de sopro do que a orquestra, mas não tem uma seção de cordas.

No final do século XIX os compositores começaram a se interessar por culturas populares ou extra-europeias e por vezes introduziram sons de instrumentos de outras culturas musicais, como o gamelão . Instrumentos eletrofônicos , como a guitarra elétrica e as ondas Martenot , também podem estar presentes no repertório dos séculos XX e XXI . Tanto compositores de música clássica quanto pop têm experimentado, nas últimas décadas, a introdução de instrumentos eletrônicos, como o sintetizador , e de técnicas digitais, como o uso de samples ou sons gerados por computador .

Orgânico

Ícone da lupa mgx2.svg O mesmo tópico em detalhes: Música de câmara .

Com base no conjunto, em termos gerais, geralmente distinguimos música de instrumento solo (ou não acompanhada), música de câmara , que em vez disso fornece um conjunto geralmente não muito extenso, em que cada instrumento retém um papel individual e música sinfônica, ou música orquestral .

Um quarteto de cordas , um exemplo de formação em música de câmara

Os gêneros das câmaras variam muito, dependendo do tamanho e do tipo de equipe; é muito comum encontrar um instrumento melódico junto com um instrumento polifônico (por exemplo, flauta e piano ou violino e piano), grupos de três, quatro ou cinco instrumentos, com ou sem piano, que podem ser tonalmente muito homogêneos, talvez pertencendo ao mesma família (por exemplo, trio ou quarteto de cordas ), ou não. [13]

Em algumas composições, pode haver um solista ou um instrumento com um papel claramente preeminente. O solista pode ser acompanhado por outros instrumentos (geralmente polifônicos, como cravo ou piano) ou pela orquestra. Exemplos desse tipo são o concerto , em que o solista se opõe a uma orquestra ou outro conjunto (por exemplo, cordas e baixo contínuo em concertos barrocos); há concertos em que há vários solistas que se comunicam entre si e com a orquestra (exemplos conhecidos são o concerto para dois violinos de Bach ou o concerto para violino e violoncelo de Brahms ). O grande concerto , popular no barroco, envolvia o contraste entre o conjunto (denominado tutti ou ripieno ou concerto grosso ) e um pequeno grupo de solistas (geralmente dois violinos e violoncelo ou dois violinos, viola e violoncelo, denominado concertino ). [14]

A Orquestra

Ícone da lupa mgx2.svg O mesmo tópico em detalhes: Orquestra .
A Orquestra Filarmônica de Dublin executando a Sinfonia No. 4 por Tchaikovsky em Charlotte, Carolina do Norte

Até o Renascimento não havia pequenos instrumentos e na música medieval os instrumentos eram divididos em duas categorias: os mais sonoros, mais adequados para uso ao ar livre ou em igrejas, e os menos sonoros, destinados ao uso interno. Inicialmente os instrumentos serviam apenas para dobrar ou acompanhar as vozes, e os primeiros conjuntos instrumentais que podem ser considerados proto-orquestras nasceram no século XVI, de composição muito heterogênea e utilizados no serviço litúrgico ou no acompanhamento de danças e danças. para entretenimento. O termo orquestra (já utilizado desde os gregos antigos para indicar o nível mais baixo do palco nos teatros, destinado ao coro) voltou a ser usado no Renascimento para indicar a área em frente ao palco teatral, onde os músicos costumavam estar colocado, e o termo também passou a ser usado para indicar a equipe instrumental na década de setenta do século XVII [15] .

A orquestra barroca foi muitas vezes composta de apenas cordas e instrumentos delegado para realizar o baixo contínuo ( cravo , chitarrone , archlute , theorbo ), ao qual pode ser adicionado ventos, tanto como ad libitum dobrando peças e como partes real, geralmente flautas , oboés , chifres , às vezes com trombetas e tímpanos . [12] Nos anos trinta e quarenta do século XVIII, a orquestra nasceu no sentido moderno do termo, com as cordas estavelmente flanqueadas por ventos, normalmente dois oboés, duas trompas e um ou dois fagotes, na música às vezes mais solene também trombetas e trombones; Também podiam estar presentes tímpanos e flauta, muitas vezes tocados por um oboísta. Durante o Classicismo, nas últimas duas décadas do século XVIII, os instrumentos até então presentes ad libitum, como flautas, clarinetes, trompetes e percussão, passaram a fazer parte do quadro estável da orquestra. Com o Romantismo, o tamanho da orquestra aumentou progressivamente e no segundo quartel do século XIX os teclados usados ​​na realização do baixo contínuo desapareceram. Tanto o número de elementos em cada seção das cordas quanto o número e variedade de sopros e percussões aumentam, chegando ao gigantismo das orquestras wagneriana e mahleriana [15] .

O desenvolvimento da entonação

Ícone da lupa mgx2.svg O mesmo tópico em detalhes: entonação (música) e temperamento (música) .
Exemplo de escalas temperadas e naturais: observa-se que a escala natural , composta por intervalos de diferentes amplitudes, não pode simplesmente ser traduzida em graus diferentes do fundamental (no exemplo, de dó a ré maior), ao contrário da baseada em temperamento igual

Ligado ao desenvolvimento dos instrumentos está o problema da construção das escalas nas quais sua entonação deve ser modelada. Enquanto alguns instrumentos (como cordas) têm a possibilidade de afinar livremente e, portanto, se adaptar a qualquer tipo de escala ( tonal ou não), em outros instrumentos a entonação só pode ser alterada com a afinação (por exemplo, cravo, harpa, piano) ou pode até estar relacionado à construção (por exemplo, muitos instrumentos de sopro).

Um outro problema surgiu com o desenvolvimento da harmonia tonal e, posteriormente, a prática da modulação , que é a passagem entre diferentes tons na mesma composição: a entonação natural , proporcionando tons e semitons de amplitude não constante, não se presta facilmente a essa prática. , exigindo em alguns instrumentos (cravo ou alaúde, por exemplo) a modificação da afinação para mudar de tom. Os teóricos da música, portanto, estudaram novas escalas e temperamentos (ou seja, mudanças na amplitude de quintas e quartas em relação à sua entonação natural) que forneceriam soluções de compromisso entre a perfeição da entonação dos intervalos (que era o mais próximo possível de sua entonação natural ) e a maior homogeneidade possível dos próprios intervalos dentro da escala, para permitir modulações. [16]

O temperamento igual gradualmente se estabeleceu durante os séculos XVIII e XIX, no entanto, os diferentes temperamentos históricos são freqüentemente usados ​​na execução filológica da música antiga. Por exemplo, o temperamento mesotônico ou temperamentos Werckmeister são freqüentemente empregados na interpretação historicamente informada da música primitiva e barroca .

Formas

Na forma musical é chamada de organização de elementos musicais em uma composição ou parte de uma composição. Por trás de todo ato composicional, do menor ao maior, há de fato uma tendência à organização, mesmo que isso não implique que a atividade composicional possa ser reduzida a uma aplicação mecânica de esquemas pré-estabelecidos. O estudo da forma musical é mais de interesse pedagógico do que analítico ou crítico e, em obras de certa complexidade, são geralmente considerados diferentes aspectos da organização formal. [17] Por exemplo, Felix Salzer [18] propõe uma distinção entre estrutura no sentido de análise melódica e harmônica Schenkeriana , forma no sentido de organização e subdivisão dessa estrutura em seções da composição e as relações que surgem entre essas seções e design no sentido de organização superficial do material rítmico e temático. [17]

Enquanto os estilos mais populares são baseados principalmente em formas simples, como dança ou música, a música clássica desenvolveu um grande número de gêneros e formas altamente sofisticadas de música vocal e instrumental. [19] As composições podem ter uma organização interna variada do material musical e os compositores clássicos muitas vezes aspiram a permear sua música com uma relação muito complexa entre os conteúdos emocionais e as ferramentas intelectuais com as quais são obtidos. Muitas das obras mais populares da música clássica fazem uso do desenvolvimento musical , o processo pelo qual uma ideia ou motivo musical é reaproveitado e elaborado em diferentes contextos. Uma composição de música clássica pode ser vista tipicamente como um discurso, no qual elementos musicais de sentido autônomo (idéias musicais, temas, frases) são elaborados para formar um percurso musical mais amplo. Exemplos de forma ou estruturação de uma composição ou parte dela são a forma sonata , a forma Lied , o rondo ou a fuga .

Complexidade

As composições do repertório clássico desenvolvem uma complexidade artística muitas vezes notável, que surge do desejo de transmitir um discurso emocional articulado e se concretiza com a pesquisa e aplicação de técnicas e procedimentos composicionais não triviais, como atenção à construção do fraseado e harmonização , uso de modulações (mudança de tonalidade), desenvolvimento temático e contraponto . A construção leva, portanto, ao desenvolvimento de várias formas e estruturas musicais, mencionadas na seção anterior . As composições mais complexas, como a sonata , a sinfonia , o concerto , a ópera ou o oratório , são geralmente constituídas por uma hierarquia de unidades menores, em ordem de complexidade crescente por gravuras , frases musicais , períodos , seções e movimentos. (geralmente em música instrumental) ou atos (em ópera e teatro musical, muitas vezes, mas não sempre, que podem ser subdivididos em cenas , possivelmente decomponíveis em peças fechadas , por exemplo recitativos , árias ou árias ) até a composição em sua totalidade.

A crescente complexidade da música fez surgir a necessidade de estudar logicamente seus componentes e as relações entre eles, levando ao nascimento de uma disciplina conhecida como análise musical . A análise de uma composição visa alcançar uma maior compreensão da música através do estudo formal das suas estruturas e é muito útil não só no ensino da composição (modelos didáticos nos quais se pode basear para estruturar as próprias ideias musicais) e interpretativa (ajudando o intérprete a compreender o funcionamento interno de uma composição e assim permitir que se expresse melhor), mas também na escuta, permitindo-lhe acompanhar o discurso musical de uma forma muito mais clara e apreciar as suas subtilezas. A análise musical nasceu como disciplina sistemática e rigorosa a partir do final do século XIX, mas os principais conceitos analíticos são bem precedidos, podem ser encontrados já no século XVII e desenvolveram-se gradativamente na sequência. [20]

Para atender às necessidades de expressividade técnica e musical exigidas pela complexidade das composições, os intérpretes de música clássica devem atingir altos padrões de domínio técnico. É necessário um nível considerável de conhecimento da escrita musical, uma boa leitura à primeira vista , habilidade e experiência em tocar em conjunto , conhecimento profundo dos princípios de tonalidade e harmonia , conhecimento da prática de execução e familiaridade com o estilo e linguagem musical inerente ao um determinado compositor, período ou estilo de música. Tudo isso se reflete na necessidade, por parte dos músicos clássicos, de muito estudo, articulado em um longo curso de formação, e de uma formação de alto nível, geralmente em muito maior grau do que os músicos que praticam gêneros "populares". Isso levou, ao longo da história, ao nascimento e desenvolvimento de escolas de ensino superior, incluindo conservatórios , dedicados ao estudo da música clássica. [21]

História

Ícone da lupa mgx2.svg O mesmo tópico em detalhes: História da música .

A história da música clássica abrange um longo período de tempo, durante o qual houve uma evolução contínua do estilo musical e das técnicas de execução. Convencionalmente, são identificados períodos históricos suficientemente caracterizados, porém essa divisão (como sempre na historiografia) é apenas formal. A evolução tem sido contínua e gradual e muitas vezes não homogênea do ponto de vista geográfico, de modo que qualquer aposta temporal deve ser considerada meramente indicativa. Além disso, estilos diferentes geralmente diferem em aspectos e princípios diferentes. [22]

Outra questão importante na visão da história da música clássica é a tendência de focalizar a atenção em um número limitado de compositores e figuras musicais, às vezes chegando a identificar estilos ou períodos inteiros em alguns nomes. Esta também é obviamente uma tendência redutora, pois os "grandes" compositores, embora sejam excelentes do ponto de vista estético e tenham desempenhado um papel de considerável importância na evolução da música, são apenas a ponta de um panorama musical muito mais complexo e povoado. .de muitas outras figuras menos conhecidas do público mas também de grande importância histórica, e nas quais há muitas outras produções musicais de excelente qualidade ligadas a nomes muito menos célebres. [23]

O ponto central está ligado ao fato de que a visão moderna da música clássica não deriva linearmente da importância artística ou histórica, mas é filtrada pelas modalidades sociais pelas quais a própria música passa para a massa de ouvintes, em primeiro lugar o instituição do concerto público, estabeleceu-se no século XIX. Por isso, o "repertório famoso" de hoje não reflete necessariamente a importância histórica e estética da música, mas sobretudo a música que poderia ser incluída nos programas de concertos do século XIX, ainda filtrada pela valorização da burguesia que a constituiu. o público de tais concertos. Por esta razão, por exemplo, Beethoven é enormemente mais conhecido do que Desprez , apesar do fato de que a qualidade artística e a importância histórica da música deste último não são de forma alguma inferiores às de Beethoven; a produção do grande flamengo é, de fato, polifonia essencialmente sagrada e, em menor medida, profana, o que não cabia no repertório de concertos do século XIX que, em vez disso, consagrou Beethoven e outros nomes excelentes ao público em geral. [24]

A visão da música é, portanto, condicionada pela história da recepção da própria música, e varia ao longo do tempo também acompanhando a evolução dos contextos sociais em que a música se inseriu, muitas vezes de forma muito precisa e funcional. Portanto, devido à evolução do panorama religioso, a altamente refinada polifonia sagrada renascentista permanece pouco conhecida, da mesma forma pela transformação do teatro de uma sala de estar mundana e esplendor das cortes em uma moderna sala de concertos, interesse pela ópera do século XVII. casa foi perdida e, com poucas exceções, do século XVIII. [23] No decorrer do século XX, no entanto, a historiografia musical se desenvolveu muito e, especialmente a partir dos anos sessenta / setenta, a filologia musical e o estudo da prática performática histórica, graças à qual se estudou muita música do passado e é novamente executado e gravado.

Por razões semelhantes, a importância e a fama dos compositores mudaram consideravelmente ao longo do tempo, então não deveria ser surpresa que mesmo aqueles que agora são considerados os maiores nomes da história foram vistos de uma maneira notavelmente diferente no passado, e também grandes nomes de o passado hoje foi reduzido significativamente. Por exemplo, a música de Bach , já fora de moda nos últimos anos de sua vida, foi esquecida e após sua morte foi conhecida e estudada apenas como um interesse teórico e formal por um círculo limitado de estudiosos, e foi redescoberta e trazida de volta para a atenção do grande público somente em 1829, quando Felix Mendelssohn conduziu uma performance da Paixão segundo Mateus : sua música, de fato, depois de ser esquecida pela perda de sua função eclesiástica e cortesã, encontrou um novo lugar no contexto das novas tendências do Romantismo, que lhe deram nova vida nas salas de concerto. [23] Da mesma forma, dos três nomes que hoje quase identificam o Classicismo , a saber, Haydn , Mozart e Beethoven , apenas o primeiro teria sido reconhecido nesses vértices por um público da época, sendo celebrado como o maior compositor vivo de seu tempo, enquanto Mozart provavelmente teria recebido precedência, por exemplo, por Salieri [25] e Beethoven Rossini . [26]

Faça a ligação com a música antiga

Ícone da lupa mgx2.svg O mesmo tópico em detalhes: Música da antiguidade .

Há muito pouco conhecimento da música da antiguidade, pois a ausência de uma tradição escrita impedia a transmissão do repertório. Os estudos, portanto, contam com fontes indiretas para estudar a música e seu papel cultural e social. A música muitas vezes era considerada um bem de consumo efêmero, ao contrário de outras formas de arte, e faltava o mesmo desejo de estruturar um repertório e transmiti-lo. Em um nível hipotético, Burgh (2006) estuda e sugere a possível influência da música antiga na música clássica ocidental, remontando à música do antigo Egito , considerando a escrita quironômica e a orquestra egípcia antiga, que datam de 2.695 aC [27 ]

Mesopotâmia

Quanto às culturas mesopotâmicas, não existem muitas evidências diretas de sua cultura musical. Baixos-relevos , tabuinhas e achados arqueológicos fornecem algumas informações sobre os instrumentos em uso, principalmente flautas, harpas bastante avançadas, percussão e liras que podem atingir dimensões gigantescas. Os músicos sumérios e babilônios foram divididos em duas castas, os Nar foram designados para a música de celebração e louvor e a gala para a música de lamentação. O importante papel da música na religião é testemunhado, com hinos e canções acompanhadas por instrumentos na liturgia. Em alguns textos sagrados que chegaram até os dias atuais, algumas inscrições são interpretadas como indicações musicais relativas ao canto e acompanhamento responsorial. Alguns textos mencionam nomes de instrumentos e informações de afinação, e um texto foi interpretado como uma notação musical para o acompanhamento de um hino. [28]

A cultura mesopotâmica teve uma influência significativa na cultura ocidental, também reconhecida por autores gregos e latinos, e na prática dos cantos salmódicos mesopotâmicos podemos vislumbrar um germe de práticas litúrgicas judaicas e cristãs, nas quais encontramos as raízes distantes da música de cultura ocidental. . Outra influência, embora obviamente indireta e não ligada à música da antiguidade, deve-se ao fato de muitos músicos se inspirarem em suas composições pela redescoberta da cultura mesopotâmica, como Händel , Rossini , Verdi , Prokof'ev e Martinů . [29]

Judeus antigos

A música desempenhou um papel importante na cultura judaica, e evidências significativas vêm da Bíblia . Em Gênesis [30] e em outros livros subsequentes há informações sobre os instrumentos musicais usados ​​pelos judeus, divididos em três categorias: trompas e trombetas, prerrogativa da classe sacerdotal, cordofones (liras e liras) usados ​​por músicos a serviço de o Templo e outros aerofones, como flautas e apitos, usados ​​pelo povo. La Bibbia riporta anche testimonianze del simbolismo musicale religioso, come il suono del sofar , associato alla manifestazione divina (ad esempio nel sacrificio di Isacco [31] o nella manifestazione sul monte Sinai [32] ), o l'impiego di complessi musicali grandiosi nelle celebrazioni più solenni, come il trasporto dell' Arca a Gerusalemme [33] o la consacrazione del Tempio. [34] Altra testimonianza molto significativa è il Salmo 137 , nel periodo della cattività babilonese . Con la nascita delle sinagoghe , il culto era incentrato sulla lettura intonata dei salmi, detta cantillazione , trasmessa anche alla liturgia cristiana antica e nella quale affonda le proprie radici la monodia liturgica medievale, che è fra le basi della musica colta europea.

Antica Grecia

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica nell'antica Grecia .

Tracce significative sono state lasciate dalla cultura greca, nella quale la musica rivestiva un ruolo significativo. I greci hanno sviluppato una raffinata teoria filosofica della musica, studiando gli intervalli e costruendo scale. [35] Tale interesse era soprattutto teorico e speculativo e c'era una certa distinzione con la musica d'uso. I greci hanno infatti sviluppato un sistema di notazione musicale basato sulle lettere dell'alfabeto, che però era di utilità meramente pratica e veniva infatti impiegato nella musica di consumo, ma non studiato e trattato dai teorici, motivo per il quale di esso rimangono pochissime conoscenze e solo un limitato numero di frammenti, a differenza delle teorie speculative, trasmesse ai posteri. Due tra i principali strumenti della musica greca erano l' aulos , strumento aerofono ad ancia associato a Pan e al culto orgiastico, e la lyra , cordofono associato ad Apollo e alla razionalità.

La dicotomia fra il dionisiaco e l'apollineo che caratterizza diversi aspetti della cultura greca si ritrova quindi anche nella musica, emblematizzate dai miti legati a tali strumenti. Secondo la leggenda l'aulos sarebbe stato infatti inventato da Atena e il suo suono doveva simulare l'atroce lamento di Medusa , da lei trasformata da magnifica fanciulla in creatura mostruosa. Specchiandosi la dea constatò quanto brutta fosse l'espressione del suo bellissimo viso nello sforzo del suonare e gettò via lo strumento che venne raccolto da Marsia , il cui deforme aspetto di satiro invece non poteva certo peggiorare di molto. La lyra invece sarebbe stata inventata da Ermes il quale, dopo aver rubato una mandria di vacche al dio Apollo, trovò una tartaruga . Con il suo guscio come cassa costruì lo strumento, con il cui suono prodigioso poté accompagnare il canto. Apollo fu talmente colpito dalla bellezza di tale musica da accettare la lyra da Ermes in riparazione per la mandria di vacche. Marsia sfidò poi Apollo, tentando con la musica di ergersi al livello degli dei, ma quest'ultimo poteva associare al suono della sua lyra la razionalità della parola, preclusa invece allo strumento a fiato, vincendo in questo modo la sfida e condannando Marsia alla decorticazione. Tale mito mostra anche un altro legame, per certi aspetti paradossale, tra apollineo e dionisiaco, in quanto l'aulos, strumento associato all'orgiasmo, sarebbe stato inventato dalla dea della ragione, mentre lo strumento per eccellenza della razionalità, la lyra, sarebbe stato ideato dal dio del sogno. [36]

Tale racconto mitico riflette la concezione musicale dicotomica dei greci, nella quale la musica aveva un ruolo importante sia nell'estasi orgiastica sia nella declamazione della poesia, massima espressione di razionalità. La musica greca era basata sulle harmoniai (o modi ), a ciascuna delle quali era associata una scala e un insieme di elementi ritmici e melodie tradizionali, ea ciascuna di esse era anche associato un effetto sull'animo umano ( ethos ). Ad esempio l'armonia dorica era associata alla virtù e alla compostezza, mentre quella frigia era associata alla frenesia e all'entusiasmo orgiastico. Questo effetto era tenuto in grande considerazione, e Platone suggeriva quale dovesse essere l'uso educativo e quale quello diseducativo, e dunque bandito, della musica nella sua Repubblica [37] , mentre Aristotele teorizzava la "catarsi omeopatica", che prevedeva l'impiego dell'ethos negativo per epurare omeopaticamente l'anima. [38]

Musica medievale e rinascimentale

Musicista che suona una viella in un manoscritto Medievale del XIV secolo.
La chanson Belle, bonne, sage di Baude Cordier , un pezzo del' ars subtilior compreso nel Codice di Chantilly .
Johannes Ockeghem , Kyrie "Au travail suis," estratto
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Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica antica .
Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Lista di compositori medievali e Lista di compositori rinascimentali .

Il periodo medievale comprende musica da dopo la caduta dell'Impero Romano, a circa il 1400 [39] . Il canto monofonico , chiamato anche gregoriano o canto gregoriano , era la forma dominante fino a circa il 1100. [39] La polifonia (più voci), si sviluppò dal canto monofonico, dal tardo medioevo al rinascimento , sfociando nel complesso mottetto . Il periodo rinascimentale è andato dal 1400 al 1600 circa ed è stato caratterizzato da un maggiore uso della strumentazione , più linee melodiche intrecciate, e l'uso dei primi strumenti bassi. Si diffuse l'utilizzo della danza come forma di socializzazione e cominciarono a standardizzarsi forme musicali appropriate per accompagnare la danza.

È in questo periodo che inizia a formarsi la notazione di musica su un pentagramma e di altri elementi di notazione. [40] Questa invenzione rese possibile la separazione della composizione di un brano musicale dalla sua trasmissione; senza musica scritta, la trasmissione era orale, ed era soggetta a cambiamenti ogni volta che veniva trasmessa ad altri esecutori. Con una partitura musicale , l'opera musicale poteva essere eseguita senza la presenza del compositore. [39] L'invenzione della stampa a caratteri mobili , nel XV secolo , apportò conseguenze di vasta portata sulla conservazione e la trasmissione della musica. [41]

Fra i tipici strumenti a corda del primo periodo vi furono l' arpa , il liuto , la viella , la ribeca e il salterio , mentre fra gli strumenti a fiato il flauto diritto e traversio , la bombarda (progenitore dell' oboe ), la tromba e la cornamusa . Esistevano anche dei semplici organi ma erano in gran parte confinati alle chiese, anche se ne esistevano varietà portatili . [42] Più tardi, nel periodo, vennero realizzate le prime versioni di strumenti a tastiera come il clavicordo e il clavicembalo . Le viole da gamba apparvero nel XV secolo e le viole da braccio solo nel secolo successivo. [43]

L'epoca dell'armonia tonale

Il periodo della pratica comune è quello in cui presero forma molte delle idee che compongono la musica classica occidentale, venendo standardizzate e codificate. Ebbe inizio con l' epoca barocca , che va dal 1600 circa alla metà del XVIII secolo . Seguì il periodo del classicismo, che terminò all'incirca intorno al 1820. L'epoca romantica si sviluppò nel XIX secolo, terminando intorno al 1910.

Musica barocca

Fra gli strumenti della musica barocca: ghironda , clavicembalo , viola da gamba , liuto , violino barocco e chitarra barocca
Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica barocca .
Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Lista di compositori barocchi .

La musica barocca è caratterizzata dall'uso di complesso contrappunto tonale e dall'uso del basso continuo . La musica è diventata più complessa rispetto alle canzoni dei periodi precedenti. [12] L'inizio della forma sonata scaturì dalla canzona , di fatto una nozione più formalizzata di tema e variazioni . [44]

Durante l'epoca barocca, la musica per tastiera, suonata sul clavicembalo e sull' organo divenne sempre più popolare, e la famiglia dei violini e degli strumenti a corda assunse la forma generalmente presente al giorno d'oggi. L'opera, come dramma musicale messo in scena, iniziò a differenziarsi da precedenti forme musicali e drammatiche, e le forme vocali, come la cantata e l' oratorio divennero più comuni. [45] I cantanti iniziarono ad aggiungere abbellimenti alle linee melodiche. [12] Gli ensemble strumentali cominciarono a distinguersi ea standardizzarsi per dimensione, dando origine alle prime orchestre, con musica da camera scritta per piccoli gruppi di strumenti in cui le parti erano interpretati da singoli strumenti (anziché masse orchestrali). Si diffuse il concerto come veicolo per le esecuzioni di solista accompagnato da un'orchestra, anche se il rapporto tra solista e orchestra era relativamente semplice.

I compositori iniziarono a utilizzare modulazioni sempre più complesse ea scrivere brani in tonalità con molte alterazioni, incompatibili con il temperamento mesotonico in uso nel Rinascimento. A livello teorico, vari autori (a iniziare da Simone Stevino , 1605) iniziarono a sostenere l'adozione del temperamento equabile , che tuttavia era praticamente impossibile da realizzare esattamente nell'accordatura degli strumenti a tastiera. Nella pratica musicale si diffusero piuttosto i cosiddetti buoni temperamenti ( Andreas Werckmeister , 1686) che permettevano di suonare in qualsiasi tonalità, con gradi di consonanza degli accordi principali leggermente diversi a seconda della tonalità e dello schema di accordatura adottato. Questo rese possibile la pubblicazione di raccolte di brani scritti programmaticamente in tutte le tonalità, la più celebre delle quali è il Clavicembalo ben temperato di Johann Sebastian Bach .

Classicismo

Joseph Haydn (1732–1809) c. 1770
Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Classicismo musicale .

Il periodo del classicismo musicale, da circa il 1750 al 1820, stabilì molte delle norme di composizione, presentazione e stile, e fu quello in cui il pianoforte diventò lo strumento a tastiera predominante. Le forze di base necessari per un'orchestra diventarono un po' più standardizzate (anche se sarebbero cresciute a seguito di una gamma più ampia di strumenti sviluppata nei secoli successivi). La musica da camera crebbe fino a includere gruppi con 8 o 10 esecutori per la serenata . L' opera continuò a svilupparsi, secondo gli stili regionali dell'opera italiana, francese e tedesca. L' opera buffa vide aumentare la sua popolarità, la sinfonia divenne una vera e propria forma musicale e il concerto venne sviluppato come veicolo per mettere in mostra le doti di virtuosità del solista. Le orchestre non richiedevano più la presenza di un clavicembalo (che aveva fatto parte del continuo tradizionale nel periodo barocco) ed erano spesso dirette dal primo violino chiamato konzertmeister . [46]

Gli strumenti a fiato divennero più raffinati. Mentre gli strumenti ad ancia doppia come l' oboe e il fagotto vennero in qualche modo standardizzati nel periodo barocco, il clarinetto e la famiglia degli strumenti ad ancia singola, non vennero ampiamente utilizzati fino a Mozart che ampliò il suo ruolo nell'orchestra da camera e nelle impostazioni del concerto.

Musica romantica

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica romantica .

La musica del periodo romantico, da circa il primo decennio del XIX secolo alla metà del XX secolo, è stata caratterizzata da una maggiore attenzione alla linea melodica estesa, così come agli elementi espressivi ed emotivi, in parallelo al romanticismo in altra forme artistiche. Le forme musicali hanno cominciato a creare una rottura rispetto a quelle del classicismo (anche se quelle erano state oggetto di codifica), con pezzi in forma libera, come notturno , fantasie e preludi composti secondo delle linee che ignoravano o minimizzavano l'esposizione e lo sviluppo dei temi. [47] La musica divenne più cromatica, dissonante, e timbricamente colorata, con tensioni (rispetto alle norme accettate dalle vecchie forme) su tonalità crescenti. [48] Il lied giunse a maturità, come fece il Grand opéra , alla fine trasceso da Richard Wagner nel ciclo del Ring . [49]

Nel XIX secolo le istituzioni musicali si affrancarono dal controllo di ricchi mecenati, e compositori e musicisti poterono costruirsi una vita autonoma dall'influenza della nobiltà. Il crescente interesse per la musica, da parte della classe media in tutta l'Europa occidentale, stimolò la creazione di organizzazioni per l'insegnamento, l'esecuzione e la conservazione della musica. Il pianoforte , che raggiunse la sua costruzione moderna in questo periodo (in parte grazie ai progressi industriali in metallurgia ) divenne molto popolare presso la classe media, le cui richieste fecero nascere un gran numero di costruttori di pianoforte. Inoltre questo strumento, per via della sua grande capacità espressiva, fu il più utilizzato dai compositori dell'epoca, poiché il principale intento dei musicisti di allora era quello di dare una grande mutevolezza di suoni e di emozioni, facendo del pianoforte lo strumento principe di quel periodo. Molte orchestre sinfoniche datano la loro fondazione in questa epoca. [48] Alcuni musicisti e compositori furono le stelle del XIX secolo; Franz Liszt e Niccolò Paganini , furono sia virtuosi del loro strumento che compositori. [50]

Le famiglie di strumenti utilizzati, specie in orchestra, andarono incontro ad un incremento. Iniziarono ad apparire una vasta gamma di strumenti a percussione . Gli ottoni assunsero ruoli più important; l'introduzione della valvola rotativa rese possibile suonare una più ampia gamma di note. La dimensione dell'orchestra (in genere circa quaranta elementi in epoca classica) crebbe fino a raggiungere e superare il centinaio di musicisti. [48] La Sinfonia n. 8 di Gustav Mahler (1906), per esempio, venne eseguita da più di 150 strumentisti e da un coro di più di 400 cantanti.

Le idee e le istituzioni culturali europee cominciarono a seguire l'espansione coloniale in altre parti del mondo. Ci fu anche un aumento, soprattutto verso la fine del periodo, del nazionalismo in musica (eco, in alcuni casi, dei sentimenti politici del tempo), in quanto compositori come Edvard Grieg , Nikolai Rimsky-Korsakov e Antonín Dvořák inserirono nelle loro composizioni temi tradizionali delle loro terre. [51]

Musica moderna e contemporanea

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica moderna e Musica contemporanea .

L'inizio del XX secolo vede una diffusa crisi politica, sociale e culturale, che porta alla Prima guerra mondiale . Il crollo del mondo del XIX secolo trova un corrispettivo nel crollo dell'impianto tonale tradizionale. Nasce la musica moderna , in cui i compositori, in vario modo, respingono i valori tradizionali della pratica comune, come la tonalità, la melodia e la struttura. Pur nella grande varietà di tendenze creative, le esperienze più influenti da principio furono in Francia quelle di Claude Debussy , Maurice Ravel e del cosiddetto Gruppo dei Sei ; ea Vienna, dagli anni Venti, la teoria dodecafonica elaborata da Arnold Schönberg e proseguita dai suoi discepoli Alban Berg e Anton Webern . Le tecniche compositive sviluppate da Olivier Messiaen costituirono un modello e fonte di ispirazione per molti musicisti appartenenti alle correnti di avanguardia a partire dal secondo dopoguerra: tra questi, Pierre Boulez , Luigi Nono e Karlheinz Stockhausen . A partire dagli anni Cinquanta, si iniziò a sperimentare da un lato l'utilizzo dell' elettronica (vedi Stockhausen ), dall'altro da parte musicisti come John Cage si fece strada un nuovo principio che introduceva nelle composizioni elementi di casualità ( musica aleatoria ). A partire dagli anni Sessanta le tendenze e gli stili si moltiplicano, mentre sono molte le personalità eclettiche difficilmente riconducibili ad una specifica corrente [52] .

Significato della notazione scritta

Visione modernista del significato della composizione

Le visioni moderniste sostengono che la musica classica è considerata soprattutto una "tradizione musicale scritta", conservata in notazione musicale , invece di essere trasmessa oralmente, a memoria. Mentre ci sono differenze tra le particolari interpretazioni di un'opera classica, un pezzo di musica classica è generalmente ritenuto trascendere qualsiasi interpretazione. L'uso della notazione musicale è un metodo efficace per trasmettere la musica classica, in quanto la musica scritta contiene le istruzioni tecniche per l'esecuzione delle opere.

La partitura scritta, comunque, di solito non contiene istruzioni esplicite su come interpretare il pezzo in termini di esecuzione, a parte le indicazioni per le dinamiche , il tempo e l'espressione (in una certa misura). Questo è lasciato alla discrezione degli esecutori, che sono guidati dalla loro esperienza personale, dall'educazione musicale, dalla conoscenza del linguaggio dell'opera, dai loro gusti artistici personali, e dall'accumulo di pratiche esecutive storiche.

Critiche alla visione modernista

Alcuni critici esprimono il parere che è solo dalla metà del XIX secolo, e soprattutto nel XX secolo, lo spartito ha cominciato ad avere un alto significato. In precedenza, l' improvvisazione , la flessibilità ritmica, la deviazione dalla partitura e la tradizione orale sulla esecuzione erano parte integrante dello stile della musica. Nel XX secolo, questa tradizione orale e di trasmissione delle caratteristiche stilistiche nella musica classica è definitivamente scomparsa. Oggi i musicisti usano lo spartito per eseguire la musica ma, nonostante questo, vi sono notevoli controversie su come eseguire i pezzi.

Alcune citazioni che mettono in risalto questa critica della sopravvalutazione modernista dello spartito:

  • "... uno degli equivoci moderni più ostinati in materia di musica barocca è che era prevista una regolarità metronomica" (Baroque Interpretation in Grove 5th edition di Robert Donington)
  • "La storia di questa particolare idea è piena di vicoli ciechi e progetti falliti. È giunto il momento che queste idee sbagliate siano affrontate con rigore accademico." History of Metaphysics di Andrew Pyle
  • "Troppi insegnanti, condizionati dalle idee del XX secolo, insegnano Bach e altra musica barocca esattamente nel modo sbagliato. Questo porta a ciò che il musicologo Sol Babitz chiama macchina da cucire Bach ." [53]
  • "... la tendenza a guardare allo stesso modo, il suono e il pensiero. I conservatori ne hanno la colpa e sono stati in colpa per molti anni. Ogni musicista sensibile in giro per il mondo ha notato la stessa cosa. I conservatori, da Mosca e Leningrado alla Juilliard, Curtis e Indiana, stanno producendo un prodotto standardizzato.
    [...] Chiarezza, ritmo immodificato, tecnica semplice, musicalità . Ho messo la parola musicalità tra virgolette, perché, come spesso non è, si tratta di un falso tipo di musicalità - una musicalità che vede l'albero e non la foresta, che si prende cura del dettaglio, ma ignora il quadro; una musicalità che è legata alla nota stampata piuttosto che al significato emotivo di un pezzo.
    Resta il fatto che oggi ci sia una uniformità terribile e anche una spaventosa mancanza di conoscenza della cultura e delle esecuzioni tradizioni del passato." ("Music Schools Turning out Robots?" [53] di Harold C. Schonberg)

Improvvisazione

Un tempo l' improvvisazione giocava un ruolo importante nella musica classica. Un esempio residuo di questa tradizione improvvisatoria nella musica classica può essere ascoltato nella cadenza , un passaggio presente soprattutto nel concerto , progettato per consentire ad interpreti qualificati di esporre il loro virtuosismo sullo strumento. Tradizionalmente questa era improvvisata dall'esecutore; tuttavia, è spesso scritta in anticipo per (o occasionalmente da) l'esecutore. L'improvvisazione è un aspetto importante nelle esecuzioni autentiche di opere di epoca barocca e del bel canto (in particolare nelle opere di Vincenzo Bellini ), ed è meglio esemplificato dall' aria con da capo , una forma adottata, in genere, da cantanti famosi e che prevede l'esecuzione di variazioni della materia tematica l'aria nella sezione di ricapitolazione (sezione 'B' / la parte da capo ). Un esempio è la complessa variazione, anche se pre-scritta cantata dal soprano Beverly Sills , Da tempeste il legno infranto dall'opera Giulio Cesare di Händel.

La sua trasmissione scritta, insieme alla venerazione professata per certe opere classiche, ha portato l'aspettativa degli ascoltatori a pensare che gli esecutori riusciranno a rendere un'opera musicale in un modo tale da riprodurre in dettaglio le intenzioni originali del compositore. Nel corso del XIX secolo i dettagli che i compositori inserivano nello loro partiture erano generalmente aumentati. Eppure la tendenza odierna è opposta - ammirazione di artisti che eseguono nuove "interpretazioni" del lavoro del compositore - e non è insolito per un compositore lodare un esecutore per aver ottenuto una migliore realizzazione rispetto all'intento originale del compositore. Gli interpreti di musica classica spesso raggiungono alta reputazione per la loro musicalità, anche se non hanno mai composto un pezzo in vita loro. In generale tuttavia, sono i compositori che vengono ricordati più degli esecutori.

Il primato della partitura scritta dal compositore ha portato anche oggi, a un ruolo relativamente minore svolto dalla improvvisazione nella musica classica, in netto contrasto con la prassi dei musicisti che hanno vissuto durante l'epoca barocca, classica e romantica. L'Improvvisazione nell'esecuzione di musica classica, che era comune sia durante l'epoca barocca che nel XIX secolo, andò fortemente diminuendo nella seconda metà del XIX secolo e nel XX. Durante il periodo classico, Mozart e Beethoven, spesso improvvisavano cadenze ai loro concerti per pianoforte (incoraggiando in tal modo anche altri a farlo), ma fornirono anche cadenze scritte per l'utilizzo da parte di altri solisti. Nell'opera lirica, la pratica di cantare rigorosamente aderenti allo spartito, vale a dire come scritto , è stata notoriamente propagata dal soprano Maria Callas , che ha chiamato questa pratica inquadrare in modo rigido ed era dettata dal voler comprendere meglio l'intenzione del compositore, soprattutto durante lo studio della musica per la prima volta.

Relazioni con altre tradizioni musicali

Musica popolare

La musica classica ha spesso incorporato elementi o materiali tematici presi dalla musica popolare del tempo del compositore. Gli esempi comprendono la musica utilizzata da Brahms nelle canzoni delle bevute dello studente in Academic Festival Overture , le musiche di Kurt Weill in L'opera da tre soldi , e l'influenza del jazz , agli inizi del XX secolo, su compositori come Maurice Ravel , esemplificata dal movimento intitolato "Blues" nella sua sonata per violino e pianoforte. [54] Alcuni compositori postmoderni , minimalisti e postminimalisti riconoscono di essere debitori alla musica popolare. [55]

Numerosi esempi mostrano l'influenza nella direzione opposta, tra cui canzoni popolari tratte da musica classica. Si ricordi l'uso del Canone di Pachelbel nel 1970, e il fenomeno di crossover con il quale i musicisti classici hanno raggiunto il successo nel campo della musica popolare. [56]

Musica folk

Alcuni compositori di musica classica hanno spesso fatto uso di musica folk (musica creata da musicisti che non hanno normalmente una preparazione musicale e spesso portatori di una tradizione puramente orale). Alcuni compositori di musica classica, come Dvořák e Smetana , hanno spesso utilizzato pezzi di musica folk, [57] per conferire un'impronta nazionalistica alle loro opere, mentre altri come Bartók hanno usato temi specifici tratti di peso da musiche popolari del loro paese d'origine. [58]

Commercializzazione

Alcuni pezzi di musica classica sono stati spesso usati per motivi commerciali (sia nella pubblicità che nelle colonne sonore cinematografiche). In alcuni spot pubblicitari televisivi, diversi temi sono divenuti degli stereotipi , in particolare l' ouverture da Also sprach Zarathustra di Richard Strauss (resa famosa dalla colonna sonora del film 2001: Odissea nello spazio ) e l'inizio di "O Fortuna" di Carl Orff pezzo tratto dai Carmina Burana , spesso utilizzato in film di genere horror ; altri esempi sono il Dies Irae dal Requiem di Verdi , In the Hall of the Mountain King dal Peer Gynt di Edvard Grieg , le battute iniziali Sinfonia n. 5 di Beethoven , la Cavalcata delle Valchirie da Die Walküre di Wagner e diversi altri. La romanza " Nessun dorma " dall'opera Turandot di Giacomo Puccini , ad esempio, è stata utilizzata per la colonna sonora del Campionato mondiale di calcio 1990 . Alcune battute del Gran vals per chitarra di Francisco Tárrega sono state utilizzate dalla Nokia come suoneria predefinita per i suoi dispositivi, nota come Nokia tune e divenuta estremamente celebre.

Diverse opere di animazione statunitensi hanno utilizzato pezzi di musica classica. Fra le più note il film di Walt Disney , Fantasia , quello di Tom and Jerry Johann Mouse , e quelli della Warner Bros. ' The Rabbit of Seville e What's Opera, Doc? .

Allo stesso modo, i film e la televisione spesso utilizzano frammenti di musica classica per trasmettere raffinatezza e opulenza: alcuni dei pezzi più spesso utilizzati in questa categoria comprendono Eine kleine Nachtmusik di Mozart , Le quattro stagioni di Vivaldi , Una notte sul Monte Calvo di Mussorgsky (orchestrato daRimskij-Korsakov ), e l' ouverture dal Guglielmo Tell di Rossini .

Shawn Vancour sostiene che la commercializzazione di musica classica agli inizi del XX secolo serviva a danneggiare l'industria musicale attraverso una rappresentazione inadeguata. [59]

Note

  1. ^ a b "Classical", The Oxford Concise Dictionary of Music , ed. Michael Kennedy, (Oxford, 2007), Oxford Reference Online .
  2. ^ Questo periodo è spesso indicato nella letteratura anglosassone come common practice era ( Common practice period , in Enciclopedia Britannica . URL consultato il 10 aprile 2014 . )
  3. ^ A differenza di altre arti (come pittura o scultura) in musica il periodo classico non indica l'età greco - romana antica.
  4. ^ Rushton, Julian, Classical Music , (London, 1994), 10
  5. ^ The Oxford English Dictionary, classical, a. , su dictionary.oed.com , The OED Online, 2007. URL consultato il 10 maggio 2007 .
  6. ^ Chew, Geffrey & Rastall, Notation, Plainchant: Pitch-specific notations, 13th–16th centuries , in Grove Online , §III, 1(vi).
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  8. ^ ( EN ) Ian D. Bent, David W. Hughes, Robert C. Provine, Richard Rastall, Anne Kilmer, Notation, §I: General , in Grove Online , §III, 1.
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  10. ^ Michael Kennedy (2006), The Oxford Dictionary of Music , p. 178
  11. ^ Knud Jeppesen: "Bach's music grows out of an ideally harmonic background, against which the voices develop with a bold independence that is often breath-taking." Da Adele Katz (1946; ristampa 2007)
  12. ^ a b c d Crystal Kirgiss, Classical Music , Black Rabbit Books, 2004, ISBN 978-1-58340-674-8 .
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  24. ^ Carrozzo, Cimagalli , vol. 2, p. 254 .
  25. ^ Il nome di Salieri è ritornato famoso soprattutto dopo la pubblicazione del film Amadeus , basato sull' omonimo dramma di Peter Shaffer ; questo ha però trasmesso una immagine totalmente distorta e storicamente inconsistente del compositore italiano, che viene ritratto come accecato dall'invidia verso Mozart e viene addirittura ritenuto responsabile della sua morte.
  26. ^ Carrozzo, Cimagalli , vol. 2, p. 355 .
  27. ^ Burgh, Theodore W. Listening to the Artifacts: Music Culture in Ancient Palestine , T & T Clark International (2006)
  28. ^ Randel , p. 506 .
  29. ^ Bertman , p. 333 .
  30. ^ Genesi IV, 23-24
  31. ^ Genesi XXXII, 13.
  32. ^ Esodo XIX, 6, 19.
  33. ^ Libro II di Samuele VI, 14-15.
  34. ^ Libro II delle Cronache V, 11-14.
  35. ^ Grout , p. 28
  36. ^ Carrozzo, Cimagalli , vol. 1, pp. 13-15 .
  37. ^ Platone , La Repubblica , III, 399d (trad. Franco Sartori).
  38. ^ Carrozzo, Cimagalli , vol. 1, p. 19 .
  39. ^ a b c Grout , pp. 75–76
  40. ^ Grout , p. 61
  41. ^ Grout , pp. 175–176
  42. ^ Grout , pp. 72–74
  43. ^ Grout , pp. 222–225
  44. ^ Grout , pp. 300–332
  45. ^ Grout , pp. 341–355
  46. ^ Grout , p. 463
  47. ^ Swafford , p. 200
  48. ^ a b c Swafford , p. 201
  49. ^ Grout , pp. 595–612
  50. ^ Grout , p. 543
  51. ^ Grout , pp. 634,641–2
  52. ^ Mùsica, stòria della , in Treccani.it – Enciclopedie on line , Istituto dell'Enciclopedia Italiana.
  53. ^ a b "Music Schools Turning out Robots?" by Harold C. Schonberg; Daytona Beach Morning Journal – 19 ottobre 1969
  54. ^ ( EN ) Kelly, Barbara. Ll, Ravel, Maurice , in Grove Online , §3: 1918–37.
  55. ^ Si veda ad esempio, ( EN ) Nyman, Michael, Siôn, Pwyll Ap , in Grove Online .
  56. ^ Notevoli esempi sono Hooked on Classics serie di registrazioni fatte dalla Royal Philharmonic Orchestra agli inizi degli anni ottanta del Novecento e le violiniste classiche Vanessa Mae e Catya Maré.
  57. ^ David Yeomans, Piano Music of the Czech Romantics: A Performer's Guide , Indiana University Press, 2006, p. 2, ISBN 0-253-21845-4 .
  58. ^ Haley Stevens, Gillies, Malcolm, The Life and Music of Béla Bartók , Oxford, Clarendon Press, 1993, p. 129, ISBN 0-19-816349-5 .
  59. ^ Shawn Vancour, Popularizing the Classics: Radio's Role in the Music Appreciation Movement 1922-34. , in Media, Culture and Society , vol. 31, n. 2, marzo 2009, p. 19, DOI : 10.1177/0163443708100319 . URL consultato il 24 aprile 2012 .

Bibliografia

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