Música

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Evaristo Baschenis , Instrumentos Musicais .

A música (do substantivo grego μουσική, mousike; "arte das musas ") é o produto da arte de conceber e produzir, por meio de instrumentos ou da voz, uma sucessão de sons que tendem a ser agradáveis ​​de ouvir. Mais tecnicamente, a música consiste na concepção e realização de sons, timbres e silêncios ao longo do tempo e no espaço.

É a arte como um complexo de regras práticas adequadas para a obtenção de determinados efeitos sonoros, capazes de expressar a interioridade do indivíduo que produz a música e do ouvinte. A geração de sons ocorre por meio do canto ou da utilização de instrumentos musicais que, através dos princípios da acústica , provocam a percepção auditiva e a experiência emocional desejada pelo artista .

No entanto, o significado do termo música não é único e é muito debatido entre os estudiosos devido aos diferentes significados usados ​​em vários períodos históricos. Etimologicamente, o termo música deriva do adjetivo grego μουσικός / musikòs, referente às musas , figuras da mitologia grega e romana , referenciadas de forma implícita à técnica , também derivado do grego τέχνη / techne . Originalmente, o termo não indicava uma arte em particular, mas todas as artes das Musas, e se referia a algo "perfeito". As macrocategorias de culto , leve e étnico se dividem em diferentes gêneros e formas musicais que utilizam sistemas como harmonia , melodia , tonalidade e polifonia .

História

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Música em tempos pré-históricos

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Música na antiguidade

Ícone da lupa mgx2.svg O mesmo tópico em detalhes: Música da Grécia Antiga , Música na Civilização Romana , Música do Egito Antigo e Música da Antiguidade .

Na Grécia antiga, Pitágoras entendia a estreita relação entre música e matemática , devido à relação entre relações fracionárias e som .

Platão afirmou que, assim como a ginástica servia para fortalecer o corpo, a música tinha que enriquecer a alma. Ele atribuiu uma função educacional à música, como a matemática. Segundo ele, era preciso saber escolher entre muito e pouco, entre mais ou menos, entre bom ou mau, para chegar ao objetivo final [1] .

Musica sacra medieval

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No cristianismo , o canto era muito difundido, porque o próprio "Cristo" era descrito como cantor junto com seus discípulos: "E depois de cantar o hino saíram em direção ao Monte das Oliveiras Mt 26.30 [2] . A música no cristianismo se desenvolveu muito no lugar de culto, a igreja: era a música que se executava na liturgia de celebração da missa .

Pode-se supor que a forma inicial da música litúrgica era monódica (da palavra grega que significa uma única voz, ou seja, a mesma melodia foi cantada por um ou mais cantores) e com base nas variações de altura em torno de uma nota fundamental (chamada recita) , variação que era ditada pela prosódia (ou ênfase) das palavras do texto sagrado, no estilo musical denominado silábico. Com o tempo, um segundo estilo foi se sobrepondo a esse estilo, que dominou a maior parte da missa, inicialmente reservado para momentos de maior ênfase como o ofertório, em que um solista entoava o texto variando livremente a entonação dentro de uma mesma sílaba em um estilo chamado melismático .

A transmissão da música acontecia, neste momento, pela tradição oral, e por meio de escolas de canto, cuja presença nos principais centros de culto é atestada desde o século IV. Além da escola de origem, é provável que a improvisação e a habilidade de cada cantor também tenham determinado em grande parte a música de uso litúrgico.

No início do século VI , existiam várias áreas litúrgicas europeias no Ocidente, cada uma com o seu rito consolidado, associado a um cantus planus específico, ou a uma espécie de canto litúrgico monódico (entre os principais, recordamos o Antigo- O rito romano, o rito ambrosiano em Milão , o rito visigótico-moçárabe na Espanha , o rito celta nas ilhas britânicas, o rito galicano na França , o rito aquiliano no leste da Itália, o rito Benevento no sul da Itália). Diz a tradição que, no final deste século, sob o pontificado de Gregório Magno ( 590 - 604 ) não foi o empurrão decisivo para a unificação dos ritos e da música subjacentes.

Na realidade, há razões para acreditar que a unificação ocorreu quase dois séculos depois, por Carlos Magno e sob o impulso da unificação política que levou ao nascimento do Sacro Império Romano . A atribuição a Gregório Magno teria sido introduzida para superar a resistência à mudança nos diferentes ambientes eclesiásticos, forçados a renunciar às próprias tradições. O produto da unificação de dois dos ritos principais, o Antigo-Romano e o Galicano, foi codificado no denominado Antifonário Gregoriano, que continha todos os cantos permitidos na liturgia unificada. Essa unificação classificou as peças de música sacra em uso segundo um sistema de modos, inspirado - pelo menos nos nomes - pelos caminhos da tradição grega (dórica, hipodórica, frígia, hipofrígio, lídio, hipolídio, misolídio, hipomisolido).

O repertório do canto gregoriano é muito vasto e se diferencia pela idade de composição, região de origem, forma e estilo. Consiste nos cantos do Ofício (a chamada "Liturgia das Horas" recitada diariamente pelo clero) e os cantos da Missa .

  • Nos cantos do Ofício encontram-se as seguintes formas litúrgicas-musicais: as Antífonas, os Responsáveis (que podem ser curtos ou prolixos), a "cantica" (de carácter mais lírico) e os Hinos (recitados exclusivamente nos mosteiros por medo, por parte da Igreja, da propagação das heresias, dada a sua forte e popular aprovação);
  • Nos cantos da Missa existem formas ligadas às partes do Ordinário ou Ordinarium Missæ (ou seja, os textos que nunca mudam: Kyrie , Gloria , Credo , Sanctus e Agnus Dei ) e do Proprio ou Proprium Missæ (ou seja, os textos que variam de acordo com as várias festividades: Introit , Graduale , Aleluia - substituído pelo Tratado na época da Quaresma -, Ofertório e Communio ).

Tanto nos cantos do Ofício como nos da Missa encontramos todos os estilos-gêneros composicionais do repertório gregoriano; eles podem ser classificados em três grandes famílias:

  • Canções silábicas ( quando cada sílaba do texto geralmente corresponde a uma única nota ), como as Antífonas mais simples do Ofício, as melodias simples do Ordinário e os recitativos do Celebrante;
  • Os cantos semi-silábicos ou neumáticos ( quando pequenos grupos de notas correspondem a cada sílaba do texto ) como o Introiti e a Communio da Missa ou algumas antífonas mais amplas do Ofício;
  • As canções de um gênero melismático ( quando cada sílaba do texto é florida com muitas notas ) como alguns Graduais e Ofertantes ou os responsórios verbosos do Ofício Ou o mais importante o jubilo do Aleluia.
Neuma plurisônico.

A reforma gregoriana substituiu o estudo de textos para a transmissão oral das escolas de canto originais, sacrificando, além de peculiaridades regionais (alguns dos quais, especialmente aqueles de moçárabe derivação, particularmente rico) e micro-tonal entonação (que ainda existia em o rito romano antigo) também o papel da improvisação. Ao mesmo tempo, havia a necessidade de "anotar" os textos escritos para ajudar os cantores a executarem a música sempre da mesma forma, com uma linha melódica que indicava sua direção, ascendente ou descendente. Esta necessidade deu origem a signos particulares ( neumas , aparentemente nascidos dos gestos do regente do coro) que, notados nas entrelinhas dos códigos, representavam o andamento da melodia, como já referido, (mas deixando a entoação e o ritmo livres ). A escrita neumática tornou-se assim a primeira "notação", daí a palavra "nota", música moderna.

O nascimento da notação

Ícone da lupa mgx2.svg O mesmo tópico em detalhes: Guido Monaco .

A escrita neumática deixava muito à imaginação do leitor e, por isso mesmo, era inadequada para a transcrição de composições de maior complexidade, o que sobrecarregava a memória dos cantores. Foi na obra de Guido d'Arezzo (992 ca.-1050 ca.) que se estabeleceu o primeiro sistema de escritura diaste- mática , ou seja, uma escritura que permitia indicar os diferentes tons das notas a entoar. Guido chamou seu sistema de tetragrama porque inseriu sinais (que mais tarde se tornariam notas modernas) em uma grade consistindo (freqüentemente) de quatro linhas paralelas. Este foi o início do uso de notas em que a escrita das durações era obtida proporcionalmente (a duração de uma nota era indicada na proporção das demais). Às notas que foram posicionadas nos espaços e nas linhas, Guido atribuiu nomes quase todos correspondentes às sílabas iniciais dos seis primeiros versos de um hino dedicado a São João Batista como um memorando para os alunos:

( LA )

" Ut queant laxis
Re fibris Sonare
Mi ra Gestorum
Faz muli tuorum
Sol ve polluti
O bii reatum
S ancte I ohannes "

( TI )

«Para que possam de graça
vozes cantam
as maravilhas da ação
seus (seus) servos,
apagar do contaminado
pecado labial,
ou São João "

( Hino a São João )

A verdadeira inovação de Guido era que as primeiras sílabas do hino não eram usadas apenas para dar um nome às notas, mas também para dar sua entonação relativa. Desta forma, um cantor pode entoar à primeira vista uma canção nunca antes ouvida simplesmente referindo-se à sílaba do hino com a mesma entonação da primeira nota na qual a canção começou, para ter uma ideia imediata da raiz. Guido deu a esse processo de memorização o nome de solmização . Nos anos que se seguiram, o tetragrama de Guido d'Arezzo, originalmente dotado de um número variável de linhas, se estabilizaria em cinco linhas (assumindo o nome de pentagrama ) e a nota Ut mudaria seu nome para Dó, lançando as bases do moderno notação musical.

Os trovadores

Ícone da lupa mgx2.svg O mesmo tópico em detalhes: Trovadores .
O trovador Bernard de Ventadorn .

Do ponto de vista de sua conservação, a música estava duplamente prejudicada. Por um lado, até a invenção da imprensa, ela padecia do destino comum de todo o material que devia ser transmitido por escrito, ou seja, da raridade do material, dos meios e da possibilidade de transmiti-lo sobre. Somava-se a isso a falta de uma notação que permitisse que a música fosse escrita de forma unívoca (o que só foi alcançado por volta de 1500 ).

A estas circunstâncias práticas, existiam também preconceitos de carácter cultural (que remontam à concepção grega) que identificavam na prática musical uma parte nobre, ligada à palavra, e uma parte artesanal, ligada ao som instrumental. A segunda foi relegada a segundo plano e, na sua função de serviço, deixada para músicos profissionais (sempre de origem não nobre): isto equivale a dizer que a música popular foi confiada exclusivamente à transmissão oral e está completamente perdida para nós. As poucas melodias que chegaram até nós muitas vezes o fizeram entrando furtivamente em composições consideradas dignas de serem transmitidas (muitas vezes em partes da missa): é o caso da melodia chamada L'homme armé e (mais tarde) do melodia chamada La Follia . Somente na era moderna a música popular começará a ser considerada digna de ser transmitida.

Sabe-se, porém, que na Idade Média eles produziram um monte de música não-sagrada: uma testemunha importante (profano embora não exatamente popular) vem das composições dos trovadores , os trouveres e Minnesänger , cantores e poetas errantes, cujos primeiros registros datam de cerca do século XI . De outra origem linguística ( langue d'oc ou occitano para o trovador , langue d'oïl para trovères , alemão para Minnesanger ou menestréis ), estavam unidos pela discussão de suas canções, o ' amor cortês e sua presença, precisamente de as cortes, onde essa forma ritualizada de amor foi desenvolvida. A difusão das composições dos trovadores também acompanhou a difusão da ideia de que a educação musical (estritamente não profissional) deveria fazer parte da educação de um nobre. Quanto ao resto das composições populares, no entanto, também a parte musical das composições dos trovadores foi quase totalmente perdida também devido à destruição causada pela cruzada contra os albigenses .

As composições que chegaram até nós (em várias versões, indicando a grande circulação das melodias e dos próprios compositores) estão reunidas no Canzoniere, em que nomes e vidas de famosos trovadores são mencionados nas 'vidas'. Entre os nomes que mais aparecem: Arnaut Daniel (também citado por Dante no Purgatório); Jaufre Rudel; Bernard de Ventadorn; Bertran de Born. Graças aos cancioneiros também conhecemos os gêneros, tanto literários quanto musicais, compostos e cantados por menestréis, que não tratam apenas do tema do amor. A composição por excelência é o canso para os trovadores, chanson para os trovadores, mentido para o minnesanger; ao lado encontramos o amanhecer (separação de dois amantes ao amanhecer, depois de passarem a noite juntos), a pastora (encontro entre um cavaleiro e uma pastora); a tensão e o Sirventesi do gênero satírico.

Ars Antiqua e Ars Nova

Ícone da lupa mgx2.svg O mesmo tópico em detalhes: Ars antiqua e Ars nova .

Ars antiqua foi um fenômeno musical que se formou em Paris em 1150 e terminou em 1320 . Nasceu em oposição à Ars nova , que será mais um grande movimento polifônico que nascerá no século XIV . Do ponto de vista da notação musical, a Escola de Notre Dame introduziu a técnica de indicar com precisão a altura das notas (que na obra de Guido d'Arezzo ainda era entendida de forma relativa) de forma semelhante ao que acontece na escrita, musical moderno e a primeira idéia de divisão de durações: cada nota poderia ser dividida em três notas de menor duração. A Ars nova desenvolveu ainda mais o conceito de notação mensural , acrescentando outras durações às usadas até então e estendendo a aplicabilidade da divisão binária de valores; também acentuou os aspectos musicais das composições (multiplicando as vozes dos cantores e introduzindo, por exemplo, a forma poltextual do moteto ) no que diz respeito aos aspectos textuais. Essas inovações logo a colocaram em polêmica com os expoentes da Ars antiqua (uma polêmica que assumiu tons tão violentos que teve de ser sufocada por uma intervenção real).

Música no Humanismo e no Renascimento

Ícone da lupa mgx2.svg O mesmo tópico em detalhes: música renascentista .

Durante o século XV, um novo estilo se desenvolveu, inicialmente inspirado em compositores ingleses (em particular John Dunstaple ), e mais tarde na escola franco-flamenga , que inovou enormemente as formas pré-existentes de missa , moteto e chanson . Ao colocar as consonâncias de terços (ainda familiares ao ouvido ocidental hoje) e a forma imitativa do cânone na base de seus procedimentos composicionais, os franco-borgonheses (entre os quais lembramos o líder da escola Guillaume Dufay e Josquin Des Prez ) revolucionaram a prática da polifonia herdada de Ars nova . O trabalho desses compositores lançou as bases para o desenvolvimento do que seria a teoria da harmonia .

No século XVI temos o nascimento do madrigal (forma cantada com várias vozes, em que o sentido do texto comunicava o caráter expressivo à música) do francês Philippe Verdelot e do flamengo Jacques Arcadelt . Graças à invenção da imprensa, nasceu a edição musical, que na Itália visava sobretudo uma elite, enquanto na França e no norte da Europa visava a expansão do mercado.

A Reforma influenciou radicalmente a forma de conceber a música: enquanto nas áreas calvinistas a música foi reduzida à única função litúrgica, nas luteranas ela se espalhou amplamente em níveis populares, cumprindo o papel de cola nacional graças à linguagem e à fé. As bases foram lançadas para uma nova sensibilidade germânica para esta arte que produzirá efeitos memoráveis.

No contexto católico, porém, as limitações impostas à música sacra pelo Concílio de Trento , que desencorajavam a excessiva complexidade, provocaram uma reação à complexidade da escola flamenga do século anterior. Giovanni Pierluigi da Palestrina , por sua vez, produziu composições em que um contraponto fluido alternava densamente consonâncias e dissonâncias com um sugestivo efeito de suspensão. Na segunda metade do século, surge o melodrama , da Camerata florentina : nas décadas seguintes o gênero estará em voga principalmente graças a Claudio Monteverdi .

O barroco e o sistema tonal

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No século XVII, a música instrumental ocidental tornou-se autônoma e assumiu uma fisionomia delineada em gêneros como a sonata , a sinfonia , o grande concerto . A música ocidental desenvolveu-se com extraordinária rapidez ao longo dos séculos seguintes, até aperfeiçoando seu sistema tonal : um marco é constituído pelas composições do Cravo Bem Temperado de Johann Sebastian Bach (I livro 1722 , II livro 1744 , coleção de 48 Prelúdios e Fugas em todos os tons). Na primeira metade do século XVIII, surgiu a clientela indireta, ou seja, o uso da arte por um público pagante.

Classicismo e música romântica

Ícone da lupa mgx2.svg O mesmo tópico em detalhes: Classicismo (música) , Música romântica e História da sinfonia .

Na época de ouro da música clássica ocidental, os anos de 1750 a 1850 , ela se expressa de formas cada vez mais ricas e elaboradas, tanto no campo instrumental (um desenvolvimento extraordinário teve a forma da sinfonia ) quanto no campo operístico , explorando cada vez mais as possibilidades expressivas proporcionadas pelo sistema harmônico e tonal construído nos últimos séculos.

Nesse período, pela primeira vez, um sentimento histórico da experiência musical se manifestou; a música adquiriu uma consciência histórica como as outras artes graças aos estudos e publicações sobre o passado; entre os tratados notáveis, lembramos o mestre Ant. Reicha , autora de um Tratado sobre a melodia , um Tratado sobre a harmonia e um novo método para a fuga, bem como numerosas (mas famosas) obras menores. Este novo fenómeno permitiu criar um vínculo entre o presente e o passado e dar continuidade ao percurso evolutivo musical.

No século XVIII houve a grande presença de Mozart . Sem dúvida, ele era um entre os grandes, e há muitos; e graças a ele a evolução da música repousou sobre um grande pilar criado, que se estendia por todos os campos, sinfonia, ópera, música de câmara , serenatas, e que representava o elo, podemos dizer, entre a música do século XVIII (a calma e sinfonias serenas, que refletem perfeitamente os esquemas musicais de Haydn ) e a romântica do século XIX.

No início do século XIX surge a figura de Ludwig van Beethoven , partindo do legado de Mozart e de compositores clássicos contemporâneos para transfigurar as formas musicais canônicas, especialmente a sinfonia e a sonata , criando o conceito de música absoluta , ou seja , liberado das funções sociais a que até então estivera subordinado. Com Beethoven assistimos ao nascimento do compositor / artista, em oposição àquele, até então predominante, do músico / artesão. Junto com ele, artistas como Johannes Brahms , Anton Bruckner e Gustav Mahler alcançaram excelentes resultados principalmente no campo sinfônico, por isso falamos de "Temporada da grande sinfonia alemã".

Em Beethoven encontramos as primeiras manifestações do romantismo musical, muitos dos quais protagonistas das áreas germânica e austríaca, como Weber , Schubert , Mendelssohn , Schumann . Na França, ao invés, operam Berlioz e o polonês Chopin .

Música moderna e contemporânea

Ícone da lupa mgx2.svg Mesmo assunto em detalhes: Modern Music, Música Contemporânea , Atonality e dodecafonismo .

Essas inovações tonais foram radicalmente contestadas pela música do século XX , que explorou novas formas de atonalidade . Com esta técnica, o único compositor definia autonomamente as regras de execução da peça, dando maior importância ao efeito produzido pelos sons do que ao seu pertencimento a um sistema tonal atribuído: apreciar uma peça musical composta de acordo com estes cânones, entretanto, apenas ouvir não é suficiente, mas deve ser complementado por um estudo cuidadoso da partitura .

Em particular, na segunda década, Arnold Schönberg , junto com seus alunos, incluindo Alban Berg e Anton Webern , veio a delinear um novo sistema , dodecafonia , baseado em uma série de 12 notas. Alguns consideraram isso o início da música contemporânea , muitas vezes identificada com a música de vanguarda ; outros discordaram fortemente, procurando outros caminhos. Il concetto di serie, inizialmente legato ai soli intervalli musicali, si svilupperà nel corso del secondo Novecento sino a coinvolgere tutti i parametri del suono. Fu questa la fase del serialismo , il cui vertice fu raggiunto negli anni cinquanta con musicisti come Pierre Boulez e John Cage .

Altri musicisti - fra cui anche Igor' Fëdorovič Stravinskij , Béla Bartók e Maurice Ravel - scelsero di cercare nuova ispirazione nelle tradizioni folkloriche e nella musica extraeuropea, mantenendo un legame con il sistema tonale, ma innovandone profondamente l'organizzazione e sperimentando nuove scale, ritmi e timbri.

A causa della larga gamma di definizioni, lo studio della musica è effettuato in una grande varietà di forme e metodi: lo studio del suono e delle vibrazioni (detto acustica ), lo studio della teoria musicale , lo studio pratico, la musicologia , l' etnomusicologia , lo studio della storia della musica .

Canto e musica nella tradizione folclorica

Con musica popolare o musica folk (letteralmente musica del/dal popolo ) e canto popolare si indicano quei generi musicali che affondano le proprie radici nelle tradizioni di una determinata etnia , popolazione , ambito geografico o culturale .

Questo concetto deve essere distinto da quello di musica pop legato a quello di canzone popolare . La musica, ma soprattutto il Canto popolare risveglia all'orecchio degli appassionati di etnomusicologia un interesse particolare. Questa musica nasce insieme alla civiltà umana e con essa si sviluppa nel corso dei secoli tramandata di generazione in generazione oralmente.

La canzone popolare

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica popolare .

Diverso dal concetto folklorico di canto popolare, ma da esso originata, la canzone attraverso i suoi interpreti raccontò, a partire dalla seconda metà dell'Ottocento, la storia, le vicende, e le trasformazioni delle città italiane e straniere. Si diffuse nei salotti borghesi dove si organizzavano incontri di società; questa volta come dice lo slogan <non sono canzoni del popolo ma sono per il popolo> tale slogan esemplificò la matrice del successo generalizzato ottenuto grazie allo sviluppo di tematiche vicine ai sentimenti comuni. Spesso si trattò di canzoni dialettali che parteciparono a festival come quello celeberrimo di Piedigrotta e che rapidamente trascesero le frontiere dei vari stati e le incomprensioni linguistiche. Con l'introduzione di rapporti innovativi tra gli autori e gli editori , con una gestione regolamentata internazionalmente dei diritti degli autori e con la prospettiva di poter usufruire di un pubblico sempre più vasto, gli uffici della Siae dell'epoca vennero presi d'assalto da un nugolo di nuovi autori, di tutte le estrazioni sociali e culturali.

Jazz e Blues

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica jazz e Blues .

All'inizio del 1900, negli Stati Uniti d'America , iniziarono a diffondersi tra la popolazione urbana diversi generi musicali derivati dalle tradizioni popolari degli africani portati come schiavi sul continente, e dalle loro contaminazioni con le tradizioni musicali bianche.

Nacquero e acquisirono notorietà in questo modo il ragtime , il blues urbano (derivato dal cosiddetto blues primitivo che veniva cantato nelle campagne), e da ultimo, il jazz, che combinava la musica bandistica e da parata, che veniva suonata soprattutto a New Orleans , con forti dosi d' improvvisazione e con particolari caratteristiche ritmiche e stilistiche.

L'invenzione del fonografo e della radio, permise una diffusione senza precedenti di questi nuovi generi musicali, che erano spesso interpretati da musicisti autodidatti molto più legati ad una tradizione musicale orale che non alla letteratura musicale. Le origini non europee degli interpreti, e il citato ricorso all'improvvisazione, contribuirono a creare musiche di grande freschezza e vitalità. Al contrario di quello che era successo tante volte nella storia della musica, la tecnologia offriva ora a un genere musicale popolare, fondato più sulla pratica che sulla scrittura, di essere diffuso e tramandato.

Gerry Mulligan , tra le figure più rappresentative del Cool jazz

La musica jazz continuò a svilupparsi per tutto il XX secolo , diventando prima musica di larghissimo consumo durante gli anni venti/anni trenta (detti gli anni dello swing ), intrecciandosi con altri generi per dare vita a forme di espressione musicale ancora diverse ed evolvendosi poi gradatamente in una "musica per musicisti" e per appassionati, espandendosi fuori dall'America e trovando seguaci prima in Europa (dove fu spesso apprezzata più che nel sua terra d'origine) e poi in tutto il mondo, e diventando uno dei contributi musicali più importanti del Nuovo Continente. La musica Jazz si può considerare come un nuovo varco verso altri mondi musicali: un genere che, partendo da un substrato che comprendeva le forme popolari del blues, degli spiritual , del gospel del dixieland , incorporando via via altre forme di musica nera (come il ragtime degli anni venti ) arrivò ad utilizzare una base di standard usati come punto di partenza per modificarne di continuo ogni modulo armonico , melodico , e ritmico .

La musica jazz, con le varie influenze che ne sono derivate, è stata definita colta , anche grazie all'avvicinamento e all'approfondimento della musica classica . Lo stesso non può dirsi per il blues iniziale. Il passaggio di qualità è probabilmente attribuibile a George Gershwin , musicista di grande valore, figlio di emigranti russi, morto giovanissimo ma che ebbe dei maestri importanti e fu ispirato da autori come Debussy e Ravel . La sua produzione è incredibilmente vasta, con notevole esposieione delle opere definite minori (circa 700), utilizzate anche ora come standard inesauribili. Ricordiamo che lo stesso Debussy venne influenzato dal jazz, come si può ben udire in "Golliwogg's Cakewalk", brano posto alla fine del " Children's Corner ", una delle sue più celebri suite per pianoforte.

Il jazz "musica colta" si sviluppò a partire dagli anni quaranta , grazie al Cool jazz , al Be bop , all' Hard bop e agli stili più recenti del Free jazz e della Fusion . [3]

La popular music del XX secolo

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica pop e Rock and roll .

All'inizio del XX secolo la musica occidentale cambiò profondamente, e fu scossa fin dalle fondamenta. Non solo, ma cambiarono anche, grazie alle invenzioni relativamente recenti della radio e del fonografo , i modi ei tempi di ascolto della musica stessa, prima limitati a concerti in locali appositamente adibiti, come teatri , locali, club o case private. Da una parte iniziò a crearsi un pubblico potenziale più vasto e meno acculturato, che apprezzava strutture melodiche e armoniche più semplici, dall'altra mai come in questo periodo storico fu facile, per chi volesse suonare, procurarsi uno strumento e imparare a usarlo.

A questo si deve aggiungere una seconda rivoluzione, anche questa tecnologica: l'invenzione dell' altoparlante e dell'amplificazione audio, che permise di far suonare assieme strumenti che non potrebbero farlo altrimenti (come per esempio una chitarra , una batteria di tamburi e un pianoforte ), perché il suono di alcuni di essi prevaricherebbe completamente gli altri.

Queste nuove possibilità tecniche crearono l'occasione per nuovi veicoli espressivi che la musica colta tardò a cogliere e che la nuova musica popolare non ebbe alcun problema ad adottare, creando, tra il 1920 fino al 1980 e in misura minore negli anni successivi, una grande fioritura di nuovi stili e generi (quali jazz , blues , rock , soul , pop , funky , metal e fusion , ognuno dei quali si è suddiviso in ulteriori sottogeneri). In ambito pop nacquero personaggi che diventano autentici fenomeni mediatici raggiungendo una popolarità senza precedenti. Fra questi si possono citare Frank Sinatra , Elvis Presley , James Brown , Jimi Hendrix , Bob Dylan , Beatles , Elton John , Bruce Springsteen , U2 per arrivare ai più recenti George Michael , Michael Jackson , Bon Jovi , Oasis , Madonna , Cher , Britney Spears , Adele .

Altro genere popolare sorto nel XX secolo è stato il rock , dizione abbreviata di "rock and roll" o "rock'n'roll" (da quando si affermò questa espressione abbreviata si svilupparono vari sottogeneri che enfatizzavano gli aspetti più aggressivi del rock'n'roll e la parola rock si iniziò a leggere come "roccia", specie riferendosi all' Hard Rock ). Il rock'n'roll nacque negli anni cinquanta come musica da ballare, derivata dal boogie-woogie , ballo afro-americano del dopo guerra (che si potrebbe tradurre con "ondeggia e ruota"). Quando rock e rock'n'roll si differenziarono, la seconda espressione venne intesa come forma originaria di questo genere di musica. Storicamente un gruppo, o una band è formata da una voce, una o più chitarre , il basso e la batteria , in alcuni casi con l'inserimento di altri strumenti (ad esempio pianoforte o sassofono ).

Negli anni sessanta , soprattutto in Inghilterra, si formarono gruppi come The Who , Pink Floyd , Led Zeppelin , Deep Purple , King Crimson e Soft Machine pronti a spaziare ea raggiungere nuove strutture musicalmente più complesse rispetto a quelle del rock primitivo, traendo spesso ispirazione dalla musica classica e dal jazz, per iniziare a dare vita a una rivoluzione. In questa rivoluzione fu coinvolta anche la tecnologia, che con il sintetizzatore , il moog , il mellotron iniziò a dare vita nella metà degli anni sessanta al genere progressive . Alla fine degli anni settanta nacque un nuovo stile musicale che azzerò completamente il progressive, il punk , che vide il ritorno a sonorità hard e violente spinte a volte verso estremismi anti-musicali e legate a tematiche di contestazione politica [4] .

Negli anni ottanta le due correnti principali del rock erano il punk e le sue propaggini ( Post-punk , Hardcore punk , New wave (musica) , No Wave , Industrial ecc.) e il Metal (un'evoluzione particolarmente pesante dell'hard rock, più elaborata del punk dal punto di vista musicale). I primi anni novanta videro l'esplosione del fenomeno Grunge che riportò per qualche tempo il rock all'attenzione delle masse popolari. Il gruppo più rappresentativo di questo genere furono i Nirvana , che con Il loro secondo album Nevermind portarono il grunge nel mainstream rimanendoci fino alla fine degli anni novanta. Nella seconda metà degli anni novanta la ripresa di istanze progressive, filtrate dall'esperienza punk, diedero vita a quello che sarà poi definito Post-rock [5] . All'interno dell'universo post-rock può essere incluso il Math rock (una forma particolarmente fredda, complessa ed anti-melodica di rock) e certe forme di neopsichedelia (si veda Roy Montgomery e la scena Neozelandese ). Altra corrente che si sviluppa nel corso del decennio è lo Stoner rock , mentre il metal si avvia ai suoi sviluppi più estremi e parossistici: Death metal , Black metal , Doom metal , Power metal , Thrash metal e Speed metal si allontanano nettamente dagli schemi della canzone hard rock / heavy metal tendendo anch'essi a rivolgersi a nicchie di pubblico più ristrette, mentre le tematiche diventano sempre più oscure e decadenti (si vedano le suggestioni esoteriche ed anti-moderne di certo Black metal , passato all'attenzione dei media nei primi anni novanta anche per gli atteggiamenti estremamente provocatori e violenti di alcune band). Parallelamente, la musica nera troverà il suo nuovo genere di riferimento nel rap .

In linea generale, ad esclusione del pop-rock e del metal classico, lo sviluppo di questi generi ha finito per caratterizzare il rock degli ultimi decenni come genere "di nicchia", lontano tanto dalla tradizione colta quanto dalle regole della musica leggera di ampio consumo.

Generi musicali

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Generi musicali .

I generi musicali sono categorie entro le quali vengono raggruppate, indipendentemente dalla loro forma , composizioni musicali aventi caratteristiche generali comuni, quali l'organico strumentale , il destinatario e il contesto in cui sono eseguite. Il grado di omogeneità formale e stilistica di tali raggruppamenti è molto variabile e diviene addirittura nullo nel caso di generi con alle spalle una lunga storia, quali la musica sinfonica o l' opera lirica . La loro identità si fonda piuttosto sul contesto sociale e ambientale a cui le composizioni sono destinate (il teatro , la sala da concerto , la discoteca , la strada , la sala da ballo , la chiesa , il salotto ) e sulle diverse modalità con cui la musica si coniuga di volta in volta ad altre forme di spettacolo , arte o letteratura , quali la danza , il teatro, l' immagine , la poesia , il racconto .

Strumenti musicali

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Strumento musicale .

Uno strumento musicale è un oggetto che è stato costruito o modificato con lo scopo di produrre della musica. In principio, qualsiasi cosa producesse suoni , poteva essere usato come strumento musicale, ma questo termine definisce solo gli oggetti che hanno il suddetto scopo.

Gli strumenti musicali si possono suddividere secondo la classificazione Hornbostel-Sachs in cinque famiglie, l'ultima delle quali aggiunta solo in seguito:

  1. Idiofoni : il suono è prodotto dalla vibrazione del corpo dello strumento stesso, sollecitato in vari modi, percuotendolo, pizzicandolo, strofinandolo, sfregandolo, muovendolo o deformandolo per mezzo di pressioni o soffi d'aria.
  2. Membranofoni : il suono è prodotto dalle vibrazioni di membrane tese, che possono essere sollecitate da azioni di percussione, sfregamento, pizzico, fin anche alle sollecitazioni dovute all'emissione della voce dell'esecutore (nel caso dei mirlitons).
  3. Cordofoni : il suono è emesso dalla vibrazione di corde tese; le corde possono essere sollecitate dal pizzicarle, percuoterle, o dallo sfregarle con appositi archetti; ancora, corde tese esposte all'azione del vento che le lambisce, come nel caso delle arpe eoliche, induce in esse vibrazioni sonore.
  4. Aerofoni : in essi è l'aria stessa che entra in vibrazione. L'aria può essere contenuta dallo strumento, come nel caso di tubi o globi, ma può anche circondare lo strumento che la colpisce ad alte velocità (frullo, frusta, lama affilata, rombo…).
  5. Elettrofoni : il suono viene generato per mezzo di una circuitazione elettrica o per induzione elettromagnetica.

Lo studio

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Teoria musicale .
Caravaggio : Il suonatore di liuto .

Le nozioni ed i concetti sono riassumibili nella teoria musicale , che è un insieme di metodi per analizzare, classificare e comporre la musica ei suoi elementi. Essa, ad esempio, tratta la "grammatica" della musica, cioè il pentagramma , le chiavi musicali e in generale il modo di scrivere ( semiografia ) la musica. Pertanto, può essere definita come la descrizione in parole degli elementi della musica, e delle relazioni tra la semiografia (o comunemente detta: notazione musicale) e la sua esecuzione.

Lo studio accademico della musica è chiamato musicologia , mentre i problemi filosofici legati alla musica sono analizzati dalla filosofia della musica .

Termini comuni

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Glossario musicale .

La terminologia musicale è molto ampia.

I termini usati per parlare di un particolare brano musicale includono:

  • la nota che è il simbolo utilizzato per indicare una specifica intonazione (ed anche il suono stesso);
  • la melodia che è una successione di suoni percepita come un percorso coerente;
  • l' accordo nella musica tonale che è il risultato della combinazione simultanea di più suoni, sottoposta a vincoli e regole tradizionali;
  • l' armonia che è lo studio della classificazione e delle concatenazioni di accordi;
  • il contrappunto , dal lat. punctum contra punctum , punto contro punto, nota contro nota, è la simultanea organizzazione di differenti melodie;
  • il ritmo che è l'organizzazione dalla metrica (pause, note, durate,..) in un brano;
  • il tempo , che determina la durata di ogni battuta in unità musicali;
  • gli armonici , ovvero l'insieme delle note che, unite, compongono una stessa nota (come l'ottava, la quinta, la terza, ecc..). Gli armonici possono essere naturali o artificiali, a seconda di come vengono ottenuti mediante lo strumento.
  • il timbro è la caratteristica che differenzia ogni strumento, e dipende dalla forma dell'onda sonora prodotta dallo stesso. Solo nel Romanticismo si cominciarono ad intuire ed utilizzare le diverse potenzialità espressive di ogni strumento, le quali dipendono appunto dal timbro;
  • la pausa è l'intervallo che si interpone tra una nota ed un'altra.

Le figure principali

Musicisti

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musicista .
Immagine di un trombettista ).

Un musicista è una persona che esegue o che compone musica per professione. Si possono classificare secondo questo schema, che li suddivide in base al loro ruolo nella categoria professionale:

Direttori d'orchestra

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Direttore d'orchestra .

Il direttore d'orchestra, spesso chiamato anche maestro d'orchiestra , è la figura di riferimento in un coro, un' orchestra o in generale in un gruppo di musicisti.

La sua direzione è innanzitutto di aiuto per la coordinazione dei musicisti fra loro, indicando il tempo , i diversi ingressi e le dinamiche. Egli inoltre chiarisce a cantanti , Solisti e strumentisti il contenuto e l'impostazione generale del componimento musicale.

Le sue funzioni sono anche quelle di guidare le prove e prendere tutte le decisioni necessarie da un punto di vista musicale, interpretando l'opera musicale. In assenza di un comitato artistico, il direttore sceglie anche il repertorio da eseguire. Il ruolo del direttore, come lo conosciamo oggi, si è formato intorno al XIX secolo .

Compositori

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Compositore .

Un compositore è un artista che crea opere musicali, dette composizioni musicali . Il termine perciò è usato indipendentemente dal genere o stile musicale e indica una persona che costruisce con i suoni un risultato (oggetto sonoro) destinato ad essere ascoltato.

La composizione, al fine di poterne agevolare la riproduzione, è generalmente trascritta su uno spartito tramite un sistema di simboli chiamato notazione musicale, che appunto utilizza le cosiddette note musicali : l'opera del compositore è eseguita dagli interpreti ( musicisti , cantanti ), ma, ovviamente, può essere eseguita anche dall'autore stesso.

Il mestiere del compositore non è una professione protetta. Anche autodidatti si possono chiamare in questo modo, ma gli studi di composizione si eseguono in Italia presso i Conservatori .

Il rapporto col canto

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Canto .

«Come è nobile chi, col cuore triste, vuol cantare ugualmente un canto felice, tra cuori felici»

( Khalil Gibran )
Coristi.

Il canto è la produzione di suoni musicali mediante la voce , ovvero l'uso della voce umana come strumento musicale.

Un gruppo musicale composto principalmente da cantanti (che in questo caso si dicono più propriamente "cantori") viene definito coro; quando il coro esegue musica senza accompagnamento strumentale si parla di canto a cappella .

Tipi di emissione

La voce umana nasce dalla vibrazione delle due corde vocali in adduzione tra loro dovuta al flusso creato dall' aria espirata dai polmoni . Nell'uso canoro il suono della voce è caratterizzato dalle risonanze della trachea , della faringe e della bocca , ed eventualmente delle altre cavità (seni) facciali e craniali; i timbri vocali che si ottengono dipendono anche dal meccanismo di produzione della voce.

A seconda del modo in cui la voce viene prodotta si possono distinguere tre tipi di emissione: la voce ingolata , la voce impostata e il falsetto .

Tecnica del canto

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Tecnica del canto .

La tecnica del canto è quell'insieme di accorgimenti, appresi con l'allenamento e lo studio, necessari ai cantanti professionisti per evitare gravi danni alla laringe e alle corde vocali e per ottenere una voce timbricamente gradevole, potente e con un'ampia gamma cantabile , cioè una estensione dalla nota più bassa alla più alta in cui il timbro è omogeneo e l'intonazione è corretta e stabile.

Tutti, più o meno, possono cantare una canzone. Molti di meno invece riescono a cantare più canzoni di seguito, anche semplici: dopo qualche minuto un cantante improvvisato comincia a sentire mal di gola, e la sua voce comincia a farsi roca e sfiatata: se nonostante tutto continua a cantare, di lì a poco si ritrova afono, e corre il rischio di procurarsi un edema alle corde vocali.

Questo accade perché, istintivamente, il cantore di cui sopra usa la sua voce come se parlasse. Ma l'uso della voce che si fa normalmente, sebbene sufficiente allo scopo di parlare, impone alle corde vocali delle sollecitazioni troppo forti nel caso del canto: per poter cantare per ore senza danni, senza sforzo e con una voce sempre gradevole, il cantante deve reimparare ad usare la sua voce in modo nuovo, attraverso lo studio, l'allenamento e l'autoosservazione.

Coro

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Coro (musica) .
Coro polifonico Vox Cordis

Il coro è un insieme di persone che, sotto la guida di un direttore , si esprime artisticamente attraverso il canto. I suoi componenti sono detti cantori (o coristi). Il termine coro può denominare, in modo generico, anche una composizione musicale scritta per tale organico.

La musica corale

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica corale .

Per musica corale si intende l'insieme delle discipline artistiche (composizione, esecuzione, direzione ecc.) che riguardano quell'importantissimo "strumento musicale" che si chiama coro.

Opera lirica

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Opera lirica e Opere liriche .

L'opera lirica è uno dei generi teatrali nonché musicali in cui l'azione scenica è abbinata alla musica e al canto . Tra i numerosi sinonimi , più o meno appropriati, basti ricordare il melodramma e le opere in musica .

Oggetto della rappresentazione è un'azione drammatica presentata, come nel teatro di prosa , con l'ausilio di scenografie, costumi e attraverso la recitazione. Il testo letterario che contiene il dialogo appositamente predisposto e le didascalie è chiamato libretto . I cantanti sono accompagnati da un complesso strumentale che può allargarsi fino a formare una grande orchestra sinfonica .

I suoi soggetti possono essere di vario tipo, cui corrispondono altrettanti sottogeneri: serio , buffo , giocoso , semiserio , farsesco .

L'opera lirica si articola convenzionalmente in vari "numeri musicali", che includono sia momenti d'assieme ( duetti , terzetti , concertati , cori) che assoli ( arie , ariosi , romanze , cavatine ).

Fin dal suo primo apparire, l'opera accese appassionate dispute tra gli intellettuali, tese a stabilire se l'elemento più importante fosse la musica o il testo poetico.

In realtà oggi il successo di un'opera deriva - secondo un criterio comunemente accettato - da un insieme di fattori alla cui base, oltre alla qualità della musica (che dovrebbe andare incontro al gusto prevalente ma che talvolta presenta tratti di forte innovazione), vi è l'efficacia drammaturgica del libretto e di tutti gli elementi di cui si compone lo spettacolo teatrale.

Un'importanza fondamentale rivestono dunque anche la messinscena ( scenografia , regia , costumi ed eventuale coreografie ), la recitazione ma, soprattutto, la qualità vocale dei cantanti .

Cantanti lirici

I cantanti, ei ruoli che essi interpretano, sono distinti in rapporto al registro vocale.

Le voci maschili sono denominate, dalla più grave alla più acuta, basso , baritono , tenore . A essi si possono aggiungere le voci di controtenore , sopranista o contraltista , che utilizzano un'impostazione in falsetto o falsettone, cioè senza appoggiatura. Esse eseguono ruoli un tempo affidati ai castrati .

Le voci femminili sono classificate, dalla più grave alla più acuta, come contralto , mezzosoprano e soprano . Anch'esse eseguono oggi, molto di più frequente delle corrispondenti voci maschili, i ruoli sopranili e/o contraltili scritti per le voci dei castrati.

Rapporti con altre discipline

Produzioni e classificazioni

Note

  1. ^ [1]
  2. ^ Mt 26,30 , su laparola.net .
  3. ^ Corrado Barbieri, Gli strumenti del jazz , su jazznellastoria.it , Jazz nella storia. URL consultato il 17 maggio 2021 .
  4. ^ The History of Rock Music. Storia della Musica Rock
  5. ^ Storia del Rock - Anni ottanta

Bibliografia

  • Marcello Sorce Keller , “Che cosa è la musica (e perché, forse, non dovremmo più chiamarla 'musica')”, Musica/Realtà , 2012/1, pp. 33-56.
  • Marcello Sorce Keller , “Do We Still Need To Think Musically? (Musings about an Old Friend, Fishing Nets, Templates, and Much More)”, Ethnomusicology Ireland , No. 5, 2017: http://www.ictm.ie/?p=2090
  • Carlo Pasceri , Tecnologia Musicale. La rivelazione della musica , Aracne, 2011.
  • Susanna Pasticci (cur.), Parlare di musica , Meltemi 2008.

Voci correlate

Altri progetti

Collegamenti esterni

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