Embelezamento

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1leftarrow blue.svg Item principal: notação musical .

Um enfeite , em notação musical , é uma nota ou conjunto de notas, denominado acessório , de floração , ornamental ou auxiliar , inserido na linha melódica com função não estrutural, mas decorativa e / ou expressiva. O termo passou a designar o complexo de notas acrescentadas para variar uma frase musical em forma de melisma , tendo todos os enfeites como origem comum a imitação da voz . Dos "acentos" (M. Marsenne, 1637) "inflexões ou modificações da voz ou palavra com as quais as paixões e os afetos são expressos natural ou artificialmente". As origens são muito antigas e muitas vezes não relacionadas a documentação precisa. Em 1700 eles alcançaram seu esplendor máximo na música, especialmente no cravo.

É principalmente indicado por notas menores do que aquelas que fazem parte de uma peça ou pela colocação de símbolos acima da nota real na qual eles repousam. A interpretação dos enfeites apresenta dificuldades na compreensão dos símbolos, cujo significado pode variar em função das várias épocas e dos diferentes autores , bem como de natureza estética, pois deixam ao intérprete uma certa margem de discricionariedade. [1]

Desde seu uso na época barroca na Itália também eram chamados de flores e graciosidade , na França agréments , nos ornamentos da Alemanha. [2]

Os principais tipos ornamentais são: acciaccatura , l ' suporte , gruppetto , mordente , trinado , arpejo , glissando , tremolo , cadência e floração . [3]

Introdução

A maioria dos enfeites acima mencionados data do período barroco ( séculos XVII e XVIII ), época em que eram mais copiosamente utilizados. [4]

Do ponto de vista histórico, a prática de decorar as notas longas da melodia com trinados mais ou menos longos e mordentes, em particular nas conclusões de frases musicais, tem uma função específica em instrumentos de cordas dedilhados ou golpeados (como o cravo ou o clavicórdio), onde o rápido amortecimento das notas não permitiria manter por muito tempo o efeito de "tensão emocional" dada por prolongadas dissonâncias que se resolvem no acorde cadencial (o chamado retardo harmônico ). No entanto, a prática de enfeites também responde a necessidades estilísticas mais gerais, tanto que as mesmas fórmulas para embelezar cadências também são encontradas na literatura de órgão e para instrumentos melódicos como violino , flauta e oboé , e até mesmo na música vocal.

Mais do que signos de expressão, dinâmica e fraseado, os enfeites, por sua variedade e associação com um ou outro instrumento musical, escapam a qualquer tentativa de classificação exaustiva. Cada signo pode ter diferentes interpretações, que variam de acordo com a época, o compositor ou a forma de composição. [1] O estudo de cada instrumento musical geralmente inclui o conhecimento dos principais sinais de embelezamento que estão associados a ele.

Como consequência de tudo isso, qualquer significado dos signos de embelezamento nunca tem um valor absoluto , mas corresponde aproximadamente às convenções agora predominantemente usadas nas edições musicais, convenções que se estabilizaram na segunda metade do século XVIII e em épocas posteriores. A execução de cada embelezamento, no entanto, é confiada à competência e sensibilidade do intérprete e não pode ser apenas o resultado de uma tradução mecânica. As indicações e as propostas de resolução dos embelezamentos, mais do que a prática executiva contemporânea ou histórica, referem-se geralmente às regras veiculadas nos cursos dos conservatórios, que representam uma forma sintética e simplificada da prática do período clássico-romântico.

Fundo

Nascimento das primeiras flores

Enfeites (em um sentido amplo) existem desde a era helênico - romana . [5] [6] [7] Seu uso também é encontrado na música da Ásia [6] e no canto gregoriano , [7] bem como na música sacra dos séculos XI e XII .

O Renascimento e o Barroco

Entre o final do século XIV e o início do século XV , florações muito elaboradas aparecem na polifonia vocal ( Ars subtilior ) e nas suas transcrições instrumentais (por exemplo, no Códice de Faenza ), tanto melódica como ritmicamente. No século 16, a capacidade de improvisar flores de melodias pré-existentes era considerada parte integrante da formação técnica de todo instrumentista: essas flores, chamadas passagens , foram construídas a partir de um repertório de esquemas de diminuição para cada intervalo melódico (por " diminuição "queremos dizer neste contexto o" preenchimento de um intervalo melódico com notas de menor valor "). Uma das primeiras obras que aborda sistematicamente, por meio de exemplos, a técnica de florações para instrumentos de teclado é Fundamentum organisandi de Conrad Paumann ( 1452 ).

Exemplos de algumas das possíveis diminuições de um terceiro intervalo ascendente (século 16)

A difusão cada vez maior das técnicas de floração em toda a Europa manifesta-se no aparecimento, entre meados do século XVI e o início do século XVII, de obras educativas como a Fontegara ( 1535 ) e a Regula rubertina ( 1542 ) de Silvestro Ganassi ( respectivamente dedicado à flauta e à viola da gamba ); o Tratado de glosas de Diego Ortiz (para viola da gamba , 1553 ); o Transilvano ( 1593 ), tratado sobre a digitação do órgão de Girolamo Diruta ; as passagens Selva de ' varii de Francesco Rognoni Taeggio (para cantores e violinistas, 1620 ). [8]

No entanto, mesmo nas primeiras sonatas para instrumento solo e baixo contínuo e nas primeiras cantatas solo, da área italiana (por volta de 1630), os enfeites eram indicados esporadicamente nota por nota, e de outra forma confiados à improvisação do intérprete, sem qualquer indicação. Naquela época, os sinais convencionais de embelezamento eram muito poucos: na música para teclado (por exemplo, nas coleções inglesas para virginal) dois sinais aparecem com grande frequência, consistindo de uma ou duas barras oblíquas na haste da nota (semelhante ao moderno notação do tremolo ), de significado unívoco (a primeira poderia representar uma espécie de acciaccatura de duas notas ascendentes, em tempo forte; a segunda, um mordente inferior). Na música italiana, por outro lado, frequentemente encontramos um "T" indicando o tremolo , um embelezamento que consiste então na repetição mais ou menos rápida da mesma nota: o tremolo rápido reproduz o embelezamento vocal denominado ribattuta di gorgia (ou simplesmente gorgia ), mas também há um tremolo lento nas notas longas, tipicamente violino, que ao invés consiste em uma modulação de intensidade obtida variando ritmicamente a pressão do arco durante o arco. Nos instrumentos de sopro, o tremolo rápido era obtido com uma espécie de trinado longo.

Somente no final do século XVII começou a codificação meticulosa das formas "clássicas" de embelezamento e a introdução de notações abreviadas, especialmente na área francesa: ver por exemplo L'Art de Toucher le Clavecin ( 1716 ) por François Couperin , os Principes de la flûte à bec ou flûte d'Allemagne, de la flûte traversière et du hautbois ( 1707 ) e L'art de préluder sur la flûte traversière ( 1719 ), ambos de Jacques Hotteterre . O estilo barroco italiano, por outro lado, continua por mais tempo a confiar o uso de enfeites à criatividade do intérprete.

O conceito de embelezamento, nos períodos renascentista e barroco, inclui duas categorias bem distintas. As diminuições da Renascença, incluindo fórmulas de cadência, aplicam-se a intervalos melódicos , não a notas únicas. Já no Renascimento ainda estavam em uso alguns enfeites, disse galanterie (semelhante ao mordente ou barroco flattement ), que se aplicam a notas individuais, independentemente do contexto melódico. [9] Durante o período barroco, as fórmulas de embelezamento codificadas "migraram" progressivamente da primeira categoria para a segunda. Por exemplo, o embelezamento hoje conhecido como trinado (chamado groppo ou grupo - isto é "nó" - na Renascença e no início do barroco italiano, e simplesmente cadência no barroco francês) nasceu como uma fórmula para a diminuição de um cadência melódica (portanto de tom descendente ou de semitom ascendente), mas na codificação do século XVIII tende a alinhar-se com as outras formas convencionais de embelezamento de uma nota (também porque o uso do trilo se sobrepõe ao do tremolo ); o mesmo vale para o pequeno grupo e para o suporte (no barroco francês do século XVIII ainda resistem algumas exceções, como o embelezamento denominado tierce coulée , que se aplica aos terceiros descendentes). Por outro lado, as flores livres amplamente presentes na prática barroca (geralmente improvisadas pelos performers, mas às vezes fornecidas como "versões alternativas" pelos mesmos autores, veja os Sarabandas das três primeiras suítes inglesas de Johann Sebastian Bach ) retêm o conceito renascentista de " embelezamento "de uma sucessão melódica" e não de notas isoladas. Também é interessante notar que o vibrato (fr. Flattement ) foi considerado na era barroca um embelezamento, não uma técnica sistemática de emissão. Ao contrário, no teclado e nos instrumentos de cordas dedilhadas (como o cravo ou o teorbo ) era prática comum arcar quase todos os acordes para graduar o impacto sonoro para fins dinâmicos e expressivos, não como embelezamento: na literatura do cravo, a indicação explícita em vez de arpejo em uma sequência de acordes significava que cada acorde tinha que ser quebrado em uma sucessão de notas rápidas, de acordo com um padrão escolhido pelo intérprete. Em meados do século XVIII, a prática de enfeites foi tratada em profundidade, para instrumentos de teclado, em Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen de Carl Philipp Emanuel Bach ( 1753 ); para o violino, nas Regras para aprender a tocar violino de Giuseppe Tartini - retomado por Leopold Mozart em Versuch einer gründlichen Violinschule de ( 1756 ) - e em A arte de tocar violino ( 1751 ), de Francesco Geminiani ; para a flauta, no Versuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen ( 1752 ) de Johann Joachim Quantz .

Na musica romantica

A partir do século XIX o uso de enfeites tornou-se progressivamente mais esporádico, por exemplo, as notas que faziam parte do enfeite voltaram a ser notas comuns, inseridas na melodia e no compasso do compasso, mas sem desaparecer completamente. O uso do embelezamento como técnica de variação de uma melodia, ainda amplamente presente no período clássico, é progressivamente abandonado também em relação a uma nova visão das relações entre compositor, intérprete e peça musical. Além disso, a nível técnico, razões estéticas e razões acústicas ligadas ao aumento do tamanho das salas de concerto e das óperas determinam a adaptação de todos os instrumentos musicais (e da técnica vocal) no sentido de uma maior amplitude dinâmica, em detrimento do agilidade e clareza de articulação necessárias para a execução de muitos enfeites.

Por causa desse declínio, a técnica de embelezamento teve sucesso misto entre os grandes compositores do século XIX: enquanto autores como Paganini , Beethoven e Liszt continuaram a usá-la, outros como Schumann e Mendelssohn limitaram seu uso a casos esporádicos.

Fryderyk Chopin merece um caso à parte: o compositor polonês fez dela um uso muito amplo, ainda que estritamente "pessoal": com isso queremos dizer que em seus escritos melódicos os enfeites adquiriram um significado que ninguém jamais havia lhe dado até então. Valsas , mazurcas , polonêses e obras como noturnos foram exemplos de uso abundante de enfeites em uma perspectiva totalmente romântica .

Os enfeites da ópera

Desde o século XVII , a prática de exibir seu virtuosismo e ganhar a admiração do público pela adição de enfeites (os chamados "fioriture") se espalhou entre os cantores de ópera , principalmente na forma de ar com da capo. , Que reinou durante o século XVIII . O panfleto satírico Il teatro alla moda de Benedetto Marcello ( 1720 ) estigmatiza, entre outras coisas, a prática de introduzir tais floreios ("passos", isto é, diminuições, e "belle maniere", isto é, enfeites) sem levar em consideração os personagem e estilo ar:

“[La VIRTUOSA] Pedirá que lhe seja enviada a parte, assim que puder, que lhe será ensinada pelo Maestro CRICA com Variações, Passos, belos modos, etc., alertando sobretudo que não compreenderá o sentimento das palavras, nem procure alguém que possa lhe explicar. maneiras, etc. E o Maestro CRICA, sem conhecer a intenção do Compositor quanto ao andamento do mesmo e como são contrabaixos ou instrumentos concertados, escreverá sob eles no lugar vazio do contrabaixo tudo o que lhe vier à cabeça em grandes quantidades, para que o VIRTUOSA pode variar todas as noites. "

( Anônimo (Benedetto Marcello), O teatro da moda , Veneza 1720 )

«Enquanto fizermos o Coro do Ari, o VIRTUOSO retirará para as Cenas, tomará Fumo, dirá aos Amigos que não está com voz, que está com frio, etc. e depois cantando a Ária avisa bem, que no Cadenza ele poderá parar o quanto quiser, compondo sobre ele degraus e belos modos à vontade, que o Mestre de Capella naquela época já levantará as mãos do cravo e leve tabaco para aguardar seu conforto. Da mesma forma, neste caso, ele terá que recuperar o fôlego mais de uma vez, antes de encerrar com um Trinado, que tentará bater muito rapidamente no início, sem prepará-lo com a massa de voz, e procurando todo o acorde de agudo possível. "

( Anônimo (Benedetto Marcello), O teatro da moda , Veneza 1720 )

Entre o final do século XVIII e o início do século XIX foram os próprios compositores que incluíram longos floreios e passagens virtuosísticas nas árias da ópera, também na tentativa de trazer de volta o canto da agilidade dentro de critérios de coerência estilística, subtraindo espaço da improvisação dos cantores. Foi uma tendência que se afirmou progressivamente nas obras de Rossini , Bellini , Donizetti .

Posteriormente, os enfeites foram usados ​​com parcimônia crescente e cada vez mais voltados para o enfoque na psicologia dos personagens. Assim, por exemplo, na de Boito Mefistófeles , os enfeites são reservados para a loucura de Margherita ( "A outra noite no fundo do mar").

Do século vinte até hoje

A partir do início do século XX , os enfeites tradicionais foram aos poucos desaparecendo da escrita musical, com algumas exceções, como algumas sonatas para piano de Stravinsky , que, referindo-se a um estilo neoclássico , buscaram seu uso.

Nesse período, aliás, os enfeites foram objeto de estudo histórico da musicologia . [10]

Principais tipos de enfeites

Acciaccatura

Acciaccaturas in-beat com resoluções

A accccatura (ou acompanhamento curto [2] , pois também pode ser definida como uma colocação de muito curta duração) é desenhada com uma ou mais notas de valor curto. Quando é uma nota única, é cortada por uma linha diagonal, para distingui-la do suporte. Em vez disso, as notas múltiplas de Nell'acciaccatura são duas ou mais e são escritas com as semicolcheias , semicolcheias , semicolcheias ou fundidas sem Snick, relacionadas à nota real. O termo acciaccatura deriva do verbo acciaccare [11] que significa esmagar ; a nota pequena, na verdade, tira uma fração muito curta da duração da nota precedida ou sucedida por ela, a duração da execução é, portanto, muito curta.

É possível encontrar acciacias simples , duplas , triplas ou intermediárias ; além disso, sinais de apoio ou acciaccaturas são frequentemente frequentes antes dos acordes.

A acciaccature foi executada principalmente na batida em 1600 , enquanto principalmente na batida otimista em 1800 . [12]

Apoio, suporte

A aposição é uma nota de expressão que precede a nota real e obtém seu valor dela. Pode ter qualquer valor, desde que seja inferior à nota real. Se o suporte for mais alto, pode ser um semitom ou um tom à parte. Se for menor, apenas a uma distância de um semitom. O valor da duração do apoio corresponde exatamente à figura com que está marcado.

Em tempos compostos, quando a aposição está na frente da unidade de movimento, geralmente leva 2/3 do valor da nota pontilhada. Uma exceção é o caso em que em um compasso composto a nota real é composta de um mínimo com um ponto. Nesse caso, a aposição leva a metade do valor da nota real.

Suporte superior no Mi

Descrição

Uma passagem de duas frases musicais terminando com suportes, seguida de outra passagem com as mesmas frases sem suporte.

Appposiatura é um tipo de enfeite que consiste em uma nota (de tamanho reduzido) colocada antes de outra nota, ou acorde. O suporte pode ser:

  • superior : quando está acima da nota real; geralmente é em um segundo intervalo maior ou menor;
  • inferior : quando está em um intervalo de segundo maior ou menor abaixo da nota real.

A nota pequena subtrai da próxima nota um valor aproximadamente igual ao seu. No entanto, no caso em que uma aposição é encontrada antes de uma nota pontilhada, que representa unidades de tempo ou medida, esta última é geralmente subtraída por 2/3 de seu valor. A aposição é praticamente sempre realizada no tempo forte ( empate com a próxima nota); assim, à sua evidente função melódica ornamental, acrescenta-se uma função de enriquecimento harmônico, que geralmente constitui um elemento alheio à harmonia da nota seguinte. Isso também explica a razão pela qual a aposição procede na maioria das vezes por grau conjunto; este é, de fato, o movimento melódico típico para a resolução de uma dissonância. Em muitos casos, as edições modernas de partituras barrocas, ou mesmo clássicas (como no caso da edição generalizada das sonatas para piano de Mozart organizadas pela Box) apresentam diretamente a resolução das apoggiaturas originais, o que, ao mesmo tempo, ilumina o lado da leitura , do outro envolve uma clara perda de informação sobre a estrutura da linha melódica.

Origem histórica

A origem da folha chamada suporte deriva de algumas formas ornamentais que foram introduzidas por volta do século XI por cantores medievais em cantos gregorianos, muitas vezes também difíceis de executar. De dois deles, chamados de epifônio e cefálico , derivou-se a dobra , que por sua vez deu origem ao suporte.

Pequeno grupo

Sinal convencional para o grupo direto

A primeira aparição do grupo remonta à segunda metade do século XIII , nas obras do compositor francês Adam d'Arras .

O pequeno grupo é um enfeite que alterna sua nota superior e inferior com a nota real. Se a nota superior for tocada primeiro, o grupo será denominado direto ou direto , e vice-versa, se a nota inferior for tocada primeiro, o grupo será denominado invertido . O grupo pode partir da nota real ou das notas contíguas, consistindo em dois casos de cinco ou quatro notas respectivamente. O símbolo do grupo invertido é o reflexo no espelho daquele do grupo direto.

O grupo pode ser:

  • em uma única nota;
  • entre duas notas da mesma altura: geralmente é tocado como um terceto ou, combinando a nota raiz e as notas de embelezamento, em uma quadra;
  • entre duas notas de altura diferente: é tocada como parte do valor da primeira nota e pode ser desenvolvida como uma quadra ou um quinteto ;

Com base no ritmo, o grupo pode ter as seguintes caracterizações:

  • em uma nota pontilhada: é tocada como uma quadra se estiver na nota real;
  • em uma nota pontilhada com ritmo binário: geralmente é tocada como um terceto e a nota real atinge o ponto;
  • em uma nota pontilhada ou ligada que indica a unidade de um tempo em compassos ternários ou tempo composto: é tocada no lugar do ponto ou nota ligada;
  • em um ritmo sincopado: é executado em um tempo forte;
  • em uma nota cujo embelezamento começa com uma nota da mesma altura que a nota real: é executado com a nota real para não interromper o fluxo da melodia, o embelezamento é, portanto, cinco notas;
  • em andamentos rápidos: geralmente é uma quadra ou quinteto que ocupa todo o valor da nota ornamentada;
  • em um acorde: é executado junto com o acorde.

Mordente

Mordidas simples com resoluções.
Resoluções com nota pré-escrita.
Mordantes ( arquivo de informação )
Primeira medida da Variação Goldberg nº 7, tocada primeiro com 2 mordentes inferiores, depois sem.

O mordente é um enfeite cujo efeito é a rápida alternância de três, quatro ou cinco notas, por grau de junta . A execução é geralmente executada com a figura que representa a unidade de subdivisão do terceiro grau no andamento da peça, isso não exclui que também possa ser executada com o quarto grau, especialmente em tempos lentos. Deve sempre ser executado em tempo forte.

A mordida pode ser:

  • simples : o mordente é simples quando há três notas alternadas. Pode ser maior ou menor:
    • superior : a primeira é a nota real, na qual o próprio símbolo da mordida é colocado; ele se move por grau de junção para a próxima nota (de acordo com o arranjo diatônico) e então de volta para a nota real. Esse tipo de mordida nunca foi usado na música barroca. [13]
    • inferior : a primeira é a nota real, na qual o próprio símbolo da mordida é colocado; ela se move por graus junto com a nota anterior (de acordo com o arranjo diatônico) e então volta para a nota real.
  • duplo : o mordente é duplo quando é constituído pela união de dois mordentes, sejam eles inferiores, superiores ou de tipo diferente. O efeito será uma quadra ou cinco notas executadas com subdivisão de terceiro grau na primeira subdivisão da figura na qual está colocada. Se a própria figura for uma subdivisão, o mordente a ocupará inteiramente (gerando um trinado )

Acima ou abaixo dos mordentes é possível encontrar acidentes (lisos , afiado ou natural ) que se referem à segunda nota auxiliar do mordente (e também à quarta no caso do mordente duplo).

Pouco antes da mordida, pode haver uma nota auxiliar superior ou inferior adicional que geralmente serve para garantir que a melodia não pare. Dependendo da duração desta nota inicial e do estilo com que é tocada, existem duas variantes:

  • uma pequena linha vertical colocada na frente do mordente significa que o tocador terá que colocar um pequeno acento ou pelo menos fazer uma pausa na nota auxiliar: dependendo se a linha é colocada acima ou abaixo do mordente, a nota auxiliar será mais alta ou diminuir;
  • uma pequena linha externa vertical e curva colocada na frente do mordente significa que o jogador terá que tocar a nota auxiliar sem pausar muito se ele quiser uma ligeira desaceleração: dependendo se a linha curva é colocada acima ou abaixo do mordente, o a nota auxiliar será mais alta ou mais baixa.

Na música moderna e romântica , o mordente simples pode ser executado como se fosse um trigêmeo .

Trinado

Sinais gráficos do trinado
Tocando um trinado direto

O trinado é a rápida alternância da nota real com o auxiliar superior (nunca inferior, ao contrário do mordente), por grau de articulação . [14] A duração de cada nota do enfeite obedece ao curso da peça (mais lento se em um Adagio e mais rápido em um Allegro ).

De acordo com as convenções modernas (em uso desde o final do século 18), o trinado pode ser [15] :

  • direto : começa com a nota real;
  • invertido : começa com uma nota auxiliar (geralmente uma sugestão) mais alta ou mais baixa que a nota real. Na música barroca, um mordente era usado como um sinal gráfico que à sua esquerda tinha um pequeno sinal apontando para cima ou para baixo dependendo se a nota auxiliar era mais alta ou mais baixa;
  • duplo : quando executado simultaneamente em dois sons, geralmente à distância de uma terça maior ou menor;
  • com preparação : quando possui algumas notas de valor mínimo antes do início do trinado da nota real;
  • com encerramento : quando no final do trinado há algumas notas antes da nota que segue a ornamentada;
  • com acidental : apresenta um símbolo de acidente (plano , afiado ou natural ) acima do trinado e refere-se às notas auxiliares;
  • colocado em uma nota pontilhada : seu valor geralmente dura até a duração da nota real excluindo o ponto;
  • colocado em duas notas empatadas : seu valor geralmente dura até a duração da nota real excluindo a outra nota empatada;
  • medido : é medido com grupos de notas de acordo com a execução da peça que apresenta figuras rítmicas pré-estabelecidas;
  • livre : ao longo da duração do trinado é possível fazer variações sobre ele tanto na velocidade, na intensidade do som e na interpretação.

Se a nota após a embelezada tiver o mesmo nome e som da anterior, evite repetir a nota real antes da próxima nota.

O trinado é o embelezamento mais frequentemente usado nas cadências de frases musicais em toda a música instrumental e vocal dos séculos XVII e XVIII. Os intérpretes não informados historicamente são frequentemente confrontados com a questão de saber se o trinado, na música barroca, deve começar da nota real ou da nota mais alta. Atualmente, acredita-se que no estilo barroco o trinado deva partir da nota de topo, mas a pergunta é mais sutil. Na primeira metade do século XVII, o trinado surge como forma de tocar o tremolo e, portanto, parte da nota real. A fórmula da cadência que se afirma na literatura barroca posterior, porém, consiste em um trinado precedido por uma aposição, geralmente mais elevada (e concluída por uma ou mais notas de resolução ). Esta forma de embelezamento, portanto, parte principalmente da nota superior (que na verdade é a aposição preparatória do trinado, e também pode ser muito longa), ou mais raramente da nota inferior, mas não da nota real:

( FR )

«O tremor de Chaque começa par le port de voix, qui est devant la note & qui se Prend ou d'en haut ou d'en bas [...]. O tremor de fin de chaque consiste em notas de deux petites, qui suivent la note du tremblement e qui sont jointes dans la même vitesse [...]. Quelquefois ces deux petites notes sont écrites, mais lorsqu'il n'y a que la simple note, on doit sousentendre & le port de voix & le coup d'après; parce que sans concela le tremor ne seroit ni parfait nichéz brillant "

( TI )

«Cada trinado começa com a aposição, colocada à frente da nota [real] e que pode ser mais alta ou mais baixa [...]. A conclusão de cada trinado consiste em duas notas, que seguem [por grau comum] a nota real do trinado e que se somam a ela na mesma velocidade [...]. Às vezes, essas duas notas são escritas, mas quando apenas a nota real é indicada, tanto a atribuição quanto as notas de resolução devem estar implícitas; já que sem eles, o trinado não seria nem completo nem brilhante o suficiente. "

( Johann Joachim Quantz , Essai d'une methode pour apprendre à jouer de la flute traversiere , Berlin 1752, p.86 )

Arpejo

Arpejo
Arpejo com notas mantidas

Il termine arpeggio deriva dalla parola arpa , poiché è un abbellimento derivante dalla tecnica di questo strumento; [16] è utilizzato negli strumenti a tastiera.

L'arpeggio, anche noto come arpeggiato o arpeggiamento, [17] è un abbellimento che si applica a un accordo , detto quindi arpeggiato o spezzato , in cui le note vengono eseguite in successione più o meno rapida anziché simultaneamente. L'arpeggio viene suonato generalmente dalla nota più bassa a quella più alta; nel caso occorra suonarlo alla rovescia (viene allora detto rovesciato ), ciò può essere indicato da una lineetta trasversale sull'accordo. Nel caso in cui la lineetta sia dal basso verso l'alto, l'andamento dell'arpeggio va dalla nota più grave alla più acuta; viceversa nel caso in cui la lineetta sia dall'alto verso il basso l'andamento dell'arpeggio va dalla nota più acuta alla più grave. Nel caso in cui non sia posto questo segno l'arpeggio può essere eseguito a libera interpretazione di chi lo suona, seguendo generalmente l'andamento della melodia.

Nelle partiture pianistiche se il segno dell'arpeggio si trova su tutti e due i pentagrammi (in chiave di basso e di violino) alla stessa posizione di una certa battuta ci possono essere due tipi di esecuzioni:

  • le note dell'arpeggio devono essere eseguite una dopo l'altra partendo dalla chiave di basso fino a quella di violino (o viceversa) nel caso in cui il segno di arpeggio abbracci tutti e due i pentagrammi senza interrompersi;
  • le note dell'arpeggio devono essere eseguite contemporaneamente sia sulla chiave di basso che su quella di violino (in modo ascendente o discendente) nel caso in cui il segno di arpeggio si interrompa tra i due pentagrammi.

Tra le varianti di esecuzione di un accordo, ce ne sono anche alcune riguardanti la durata delle singole note facenti parte dell'accordo. Le note dell'accordo infatti, oltre ad essere eseguite in successione, possono essere anche pizzicate, legate (e quindi non mantenute), o mantenute una dopo l'altra per tutta la durata dell'accordo. In genere se quest'ultima risoluzione ha una certa importanza l'autore lo specifica realizzando le note dell'accordo con legature di valore che si trascinano fino all'ultima nota.

Glissando

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Glissando .
Notazione del glissando

Il glissando o glissato (dal francese glisser , "slittare, scivolare" [18] [19] ) consiste nell'innalzamento o nell'abbassamento costante e progressivo dell' altezza di un suono, ottenuto a seconda dei vari strumenti in diversa maniera.

Il glissando viene segnato facendo seguire alla nota iniziale una linea nella direzione voluta e corredata spesso dall'abbreviazione gliss. ; a volte è utilizzata una linea a serpentina. Nella notazione per voce, inizialmente fu utilizzata una legatura non dissimile dalle legature di frase, ma limitata a due note adiacenti di altezze diverse.

Il glissando propriamente detto è quello che può produrre la voce umana, uno strumento ad arco come il violino (facendo strisciare il dito su una corda) [20] o il trombone a coulisse ; in questo caso, infatti, non si percepisce il passaggio fra le note perché la transizione avviene senza soluzione di continuità. [21] Spesso, però, il termine glissando si applica anche ad alcuni effetti che vi si avvicinano, come quelli ottenibili con gli ottoni o anche con l'arpa e con i cordofoni a tasto. In realtà, l'arpa o il pianoforte non permettono di eseguire un "vero" glissando, dato che essi possono produrre solo note con intervalli (toni e semitoni) predefiniti.

Tremolo

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Tremolo (musica) e Tremolo (organo) .
Tremoli su note singole
Tremoli su coppie di note

Il nome tremolo è usato per abbellimenti diversi a seconda degli strumenti che ne fanno uso. Generalmente consiste nella ripetizione molto rapida di una nota per la durata della nota stessa (a differenza del trillo, in cui si alterna la nota reale con quella superiore).

Il segno grafico del tremolo è dato da tre strisce spesse e oblique. Se si tratta di un tremolo eseguito sulle stessa nota allora il segno sta sul gambo della nota stessa, se il tremolo è eseguito con due note allora il segno viene posto tra le due; la notazione antica riguardo al tremolo eseguito con due note prevedeva anche che si mettessero le due note sotto forma di bicordo e poi che si applicasse il segno del tremolo sopra di esso.

Negli strumenti ad arco consiste nella veloce ripetizione della stessa nota e si ottiene con movimenti molto rapidi dell'arco verso il basso e l'alto. Questa tecnica fu usata per la prima volta nel Seicento da Claudio Monteverdi [22] [23] nel Combattimento di Tancredi e Clorinda ( 1624 ). Sempre con gli archi è possibile applicare la tecnica del diteggiato , che consiste nel tremolo applicato a due diverse note ripetute su una stessa corda.

Gli strumenti a tastiera imitano il tremolo degli archi; fu molto usato nel XIX secolo . Il tremolo è simile al trillo e può essere anche qui eseguito su una singola nota o su due note che si ripetono ad un intervallo disgiunto (minimo una terza). Le note rapidamente alternate possono essere singole, bicordi o interi accordi. Il tremolo crea una sonorità piena ed è usato nei brani pianistici per imitare i massicci ripieni orchestrali (specie nelle riduzioni pianistiche e nelle trascrizioni, ma non solo) o per sostenere a lungo un'armonia. Già presenti nelle sonate di Beethoven , passaggi a tremolo furono molto usati nella musica pianistica romantica; un esercizio di tremolo pianistico è il brano n. 60 di " Hanon - Il pianista virtuoso". Celebri studi sul tremolo Franz Liszt sono lo studio n.1 dei 6 studi d'esecuzione trascendentale da Paganini e lo studio n.12 Chasse-neige dei12 Studi d'esecuzione trascendentale , entrambi di Franz Liszt . Il tremolo su due note è spesso utilizzato anche nella musica moderna, per esempio nel blues .

Anche gli strumenti a fiato usano il tremolo che, quando è indicato su una sola nota, viene eseguito tramite la tecnica del frullato : questa tecnica consiste nel soffiare pronunciando contemporaneamente le consonanti "tr", "dr" o "vr" per far vibrare la parte anteriore della lingua oppure la consonante "r" (pronunciata come la "r" moscia francese) per far vibrare la parte posteriore della lingua.

La figura del tremolo era caratteristica anche nella musica vocale del XVII - XVIII secolo .

Cadenza

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Il termine cadenza, nella sua accezione di abbellimento, è usato per esprimere una successione veloce di note di uno o più accordi , dal carattere virtuosistico, che vengono eseguite solitamente prima della chiusura del brano.

La grafia delle note è a caratteri piccoli e l'esecuzione è liberamente interpretata dal suonatore. Può essere considerata simile alla fioritura in quanto rappresenta un riempimento tra una nota o un accordo e la nota o accordo successivo; può essere usata anche come abbellimento eseguito in contemporanea con un accordo alle ultime battute finali di un brano fino alla sua definitiva conclusione. Oltre che per mettere in risalto le doti tecniche di un cantante o di uno strumentista, la cadenza serviva anche per rallentare un brano, per creare una sorta di pausa all'interno di una composizione.

Nel XVIII secolo era rappresentata da un punto coronato : il cantante o il musicista poteva sbizzarrirsi per tutta la durata della cadenza conformemente alla sua capacità di improvvisazione. Jean-Jacques Rousseau nel suo Dictionnaire de musique " ( 1767 ) spiega così la cadenza: [24]

«L'autore lascia a libertà dell'esecutore, affinché vi faccia, relativamente al carattere dell'aria, i passaggi più convenienti alla sua voce, al suo istrumento ed al suo gusto. Questo punto coronato si chiama cadenza perché si fa ordinariamente sulla prima nota di una cadenza finale, e si chiama anche arbitrio , a cagione della libertà che vi si lascia all'esecutore di abbandonarsi alle sue idee e di seguire il suo gusto. La musica francese, soprattutto la vocale, che è estremamente servile, non lascia al cantante alcuna libertà in tal sorta, ed il cantante sarebbe pertanto assai perplesso nell'usarne.»

L'uso smodato che ne facevano gli esecutori portò ben presto ad una trascrizione su carta della cadenza scritta dal compositore e non più liberamente interpretabile dall'esecutore. Il primo fu Gioachino Rossini che obbligò i cantanti ad eseguire esattamente ciò che trovavano scritto, abolendo così l'improvvisazione di tale abbellimento. Lo stesso Rossini in una lettera del 1851 rivolta a Ferdinando Guidicini scrisse: [24]

«Qualche abile cantante suole talvolta sfoggiare in ornamenti accessori; e se ciò vuol dirsi creazione, dicasi pure; ma non di rado accade che questa creazione riesca infelice, guastando, ben di sovente, i pensieri del maestro, e togliendo loro quella semplicità di espressione che dovrebbero avere.»

Era raro trovare abusi da parte degli strumentisti nelle cadenza, poiché quasi sempre queste erano riservate a strumenti solistici, i quali erano suonati dagli autori stessi.

Fioritura

Fioritura dal concerto in Fa minore di Fryderyk Chopin

La fioritura è una successione di note veloci, che non di rado contengono passaggi cromatici, inserita in qualsiasi punto del brano. Le note della fioritura sono più piccole e sono eseguite quasi improvvisando, senza rigide regole ritmiche.

L'origine della parola deriva probabilmente da florificatio vocis , da cui derivano anche il contrappunto fiorito e lo stile fiorito. [ senza fonte ]

La fioritura può presentarsi come:

  • una variazione alla melodia che la precede;
  • una nuova melodia autonoma;
  • un passaggio ornamentale tra la melodia precedente e quella successiva.

L'impiego della fioritura assunse il suo massimo tra il XVII e il XVIII secolo anche se precedentemente fu usata anche da altri compositori come Claudio Monteverdi ; durante questi due secoli la sua funzione era prevalentemente ornamentale e virtuosistica. Con il melodramma dell' Ottocento , in ambito vocale la fioritura assunse progressivamente una valenza drammaturgica, impiegata per marcare determinati stati psichici dei personaggi, quali l'euforia, la rabbia o la follia. [ senza fonte ] In ambito strumentale, l'uso della fioritura si incontra nel XIX secolo soprattutto nella letteratura pianistica.

Note

  1. ^ a b Abbellimenti , su xoomer.virgilio.it . URL consultato il 27 giugno 2010 .
  2. ^ a b " Lezioni di teoria musicale ", Nerina Poltronieri, Edizioni Accord for Music, Roma.
  3. ^ Gli abbellimenti , su musicacolta.eu . URL consultato il 27 giugno 2010 (archiviato dall' url originale il 3 agosto 2009) .
  4. ^ Abbellimenti [ collegamento interrotto ] , su dodicesimotasto.it . URL consultato il 26 giugno 2010 .
  5. ^ Melodia e poesia in Grecia , su sapere.it . URL consultato il 27 giugno 2010 .
  6. ^ a b Giorgio Tomassetti, Storia della musica - Preistoria e Antichità ( PDF ), su giorgiotomass.altervista.org . URL consultato il 27 giugno 2010 (archiviato dall' url originale il 29 febbraio 2012) .
  7. ^ a b Abbellimenti: notazione ed esecuzione ( PDF ), su bandadibrenno.it . URL consultato il 27 giugno 2010 (archiviato dall' url originale il 4 marzo 2016) .
  8. ^ Riccardo Rognoni, Passaggi per potersi esercitare nel diminuire (1592); edition with preface by Bruce Dickey , Arnaldo Forni Editore, 2002.
  9. ^ Giovanni Acciai, Prassi dell'ornamentazione nella musica strumentale italiana nei secoli XVI e XVII , in Elena Ferrari Barassi, Marco Fracassi, Gianpaolo Gregori (a cura di), Strumenti, musica e ricerca , Cremona, Ente Triennale internazionale degli strumenti ad arco, 2000, pp. 41-70.
  10. ^ Mario Pasi, Sandro Boccardi, Storia della musica, Volume 2 , Editoriale Jaca Book, 1995, p. 177, ISBN 978-88-16-43916-0 .
  11. ^ vocabolario Treccani, voce acciaccatura
  12. ^ Segni di abbreviazione e abbellimenti ( PDF ), su passpi.altervista.org . URL consultato il 27 giugno 2010 .
  13. ^ ( EN ) Music Manuscript Notation in Bach , su iment.com . URL consultato il 27 giugno 2010 .
  14. ^ ( EN ) Eric Taylor,he AB Guide to Music Theory: Part I , Associated Board of the Royal Schools of Music, 1989, p. 92, ISBN 978-1-85472-446-5 .
  15. ^ Gli abbellimenti: il Trillo , su pianosolo.it . URL consultato il 27 giugno 2010 .
  16. ^ Arpeggio - Vocabolario Treccani ( XML ), su treccani.it . URL consultato il 27 giugno 2010 .
  17. ^ Arpeggiamento , su treccani.it , Vocabolario online Treccani.
  18. ^ Glissare ( XML ), su treccani.it , Enciclopedia Treccani Online. URL consultato il 2 dicembre 2009 .
  19. ^ ( FR ) Glisser , su larousse.fr , Dizionario Larousse. URL consultato il 2 dicembre 2009 .
  20. ^ La strisciata, o l'atto dello strisciare sono una «maniera particolare che si usa in ispecie negli strumenti ad arco, scorrendo sulla tastiera con il medesimo dito da un suono all'altro». Lichtental , p.222
  21. ^ Strisciando ( XML ), su treccani.it , Enciclopedia Treccani Online. URL consultato il 5 dicembre 2009 .
  22. ^ ( EN ) Piero Weiss, Richard Taruskin, Music in the Western World: A History in Documents , Thomson/Schirmer, 2008, p. 146, ISBN 0-02-872900-5 .
  23. ^ ( EN ) Cecil Forsyth, Orchestration , READ BOOKS, 2008, p. 348, ISBN 0-486-24383-4 .
  24. ^ a b " Grande Enciclopedia della Musica Classica ", Curcio, Roma.

Bibliografia

  • Grande Enciclopedia della Musica Classica . Roma, Curcio.
  • Luigi Rossi. Teoria musicale . Bergamo, Edizioni Carrara, 1977.
  • Nerina Poltronieri. Lezioni di teoria musicale . Roma, Edizioni Accord for Music.
  • Marcello Oddo, La storia, la teoria e la pratica degli abbellimenti , Parisi, 2005, p. 64, ISBN 978-88-88602-53-0 .
  • Walter Emery, Gli abbellimenti di bach , a cura di S. Romano, Edizioni scientifiche italiane, 1998, p. 179, ISBN 978-88-8114-559-1 .
  • Pietro Lichtental, Dizionario e bibliografia della musica , Milano, Pier Antonio Fontana, 1826. URL consultato il 25 dicembre 2009 .
  • Ottó Károly, La grammatica della musica , Torino, Einaudi, 2000, ISBN 88-06-15444-3 .

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